风再起时

好久没打5星了，虽然没到10分，但已经好久没有看见让我如此之爽的电影了。

评分之前，原以为这部电影能至少4星左右，没想到7分都不到，有点出乎意料。

简单看了几个评价比较低的原因，都挺认可也都不认可。

评分低主要看到有以下几个观点： 1、平铺直叙，流水账。

确实这部电影不像好莱坞的大片，某个节点下伏笔，某个节点突出矛盾，某个节点高潮迭起，某个节点升华主题。

这部电影更像文艺片一样，略显沉闷。

对于喜欢甄子丹那样的跛豪，确实太过于平铺直叙了，不精彩。

但是其实电影的精彩由另一个方式呈现了，许多画面的唯美精致，到最后廉政公署慷慨激昂的表达，让我仿佛看到了《敦刻尔克》里面的丘吉尔。

虽然那段演讲跟前后没那么连贯，但是如果熟悉那段历史，甚至如果熟悉廉政公署成立以来的种种困难，这段讲话真的掷地有声慷慨激昂。

在我看来电影不是缺乏精彩，而是精彩的与众不同。

2、我觉得低分最奇怪的一个地方，是说里面的感情线不真实，太男权至上了。

说杜鹃为了迎合自己的男人太卑微了，太不真实了。

我总觉得发表这种言论的是90后甚至00后，毕竟自我意识觉醒了，但是也是脱离了时代的烙印。

我还记得《无间道》里面的刘嘉玲，她说只要她男人好，她做什么都可以。

那个时代背景下的女人，尤其是大哥的女人，女强人，想法都很简单。

哪怕当时社会的普通家庭，为了孩子，甚至为了周围人的眼光与口舌，都会努力维护着各种莫名其妙的婚姻，更别说那些有头有脸的人。

我不提倡那样的感情，但是电影为了突出那段历史，突出那个时代的感情，我真的觉得没有毛病。

看电影必须得结合当时的时代背景吧！

总不会有人抨击古代皇帝为什么这么多嫔妃吧！

3、还有人说这个题材电影拍成艺术片不合适，甚至对这种题材的电影不感兴趣。

我在想对于一个不感兴趣的电影，为何要打开它？

实话实说，我不喜欢看纯恐怖片，但是我不会去抨击《贞子》《荒村老师》这种电影拍太烂，不会去说恐怖片就是一堆心理暗示声音+闪回的小把戏。

看自己喜欢的电影这才是看电影的真谛吧！

一开始就说了，电影不是十全十美，但是确实让我爽到了。

画面的精致程度首先视觉上就是一种享受。

郭富城的几次舞蹈背景都映衬的很好，这种画面的处理比比皆是，看电影看电影，画面好看这不是应该追求的第一要素吗？

第二要素是什么呢？

我个人认为几大角色各自的演技都发挥了各自人物的特色。

梁朝伟、郭富城、杜鹃各个演技不俗，把各自人物刻画的活灵活现的，连谭耀文的演技都可圈可点。

可能是我看了太多毫无演技的电影以后，对演技的要求变得高了许多 第三、历史感。

我非常喜欢历史，所以说有历史背景的电影更受我青睐，这部电影历史的印记很深，几乎就是一部浓缩的香港小传，再加上电影加强历史厚重感的拍摄手法，很和我口味 最后就是这部电影我最喜欢的地方，内心戏。

其实很多内心的东西，才是我认为这部电影最浓缩的精华。

梁朝伟、郭富城各自的成长经历都详细的刻画了，对于小渝的思念，517的意义，打字机还是枪的选择，擦鞋的心理活动，等等，非常注重内心刻画，这才让一个个角色鲜活了起来，更有灵魂感。

尤其是打麻将那场内心戏简直是我的最爱。

从一开始雷乐南江到塞钱给谭耀文为止，这段我真的大呼过瘾。

至于为何过瘾，实在驽钝表达不出来。

港片在逐渐没落，但是这部电影，让我对香港电影还是充满期待的。

港片影迷都知道，上世纪80年代中后期到90年代初，由麦当雄、麦当杰兄弟起头，以写实的基调为黑帮、悍匪、魔警立传的“枭雄片”风靡一时。

《省港旗兵》系列，《跛豪》《上海皇帝之岁月风云》都是经过时间考验的佳作。

港英政府治下的香江四大探长、九龙城寨、廉政公署的故事，亦成为屡拍不爽的热门题材。

紧随其后的《蓝江传之反飞组风云》《四大探长》《四大家族之龙虎兄弟》《五亿探长雷洛传》等片，至今仍是港片迷中的经典。

翁子光导演新作《风再起时》是枭雄片骨血的延续，主人公磊乐、南江的原型，就是彼时香港警界赫赫有名的华人四大探长之一的吕乐、蓝刚。

磊乐、南江最辉煌的50、60年代，香江迎来二战以后的经济爆发，散兵游勇、流民苦力、逃亡者等各类江湖势力聚集，他们在辖区内以暴制暴，以黑制黑，权力寻租黑吃黑出名，港英政府也睁一只眼闭一只眼，乐得太平。

以往的枭雄片，都是突出探长们的心机计谋、江湖义气，为了利益争得你死我活的暴力场面。

影评人出身的翁子光《风再起时》走的是另外一种路线，除了展现大家熟悉的一面，更多是人物欲说还休的疲倦，大时代里沉浮幻变的人生，年少时的惨痛履历，儿女情长的羁绊，家庭社会的压力，对他们的人格塑造和影响。

《风再起时》时间跨度大，从30年代一直到90年代，纵横近60年，在写实与写意之间迂回，在恩怨情仇之间窥伺，为体现凝重的历史感和飘零的命运，电影用了真实的历史影像、黑白影像、彩色影像三种画质的影像互相递进推动，从市民伏地求生的日常，到显贵枭雄夜夜笙歌的颓靡，层层叠叠地编织出一幕幕亦幻亦真的画卷。

143分钟不算漫长，观众的眼睛在黑暗的影院里跟着人物浪奔浪涌、沉沉浮浮，如同做了一个“石头记”似的梦。

三种不同质感的影像，分别有清晰的时间、地点、人物、事件的参照，形成了坚固的逻辑关系，是对人物心理幽微的渗入和化解。

真实历史影像是磊乐、南江活动的背景，初入江湖的背景板，香港这个词落脚在街巷的人潮，路边摊、骑楼、爬坡阶梯、大排档、有轨电车中，和著名导演、摄影师何藩照片里的5、60年代香港一模一样；导演有意调出来的黑白影像是两个人青少年时期心路的显影，饥饿的身体，如丧考妣的生活，黑黢黢、汗津津的少年脸庞带着茫然和焦灼；彩色影像是人物活在“当下”的展现，是功成名就之后的嚣张跋扈、华丽绮靡。

在磊乐初识蔡真的华丽宴会上，恢弘的舞场，华丽的灯光，飞旋的踢踏舞步，让人想起《了不起的盖茨比》，这是一个互文关系，磊乐、南江坐享荣华富贵都不如一个女人的钟情来得痛快，这一点很像盖茨比。

蔡真口中提到的格里高利·派克，和其主演的《罗马假日》，磊乐和蔡真共舞时致敬的《雨中曲》的片段，无一不是那个浮华年代的时尚标志，是作为影迷的翁子光在向经典电影致敬。

翁子光是热爱香港的，那些逝去的市井面貌，地图上消失的歌舞楼台地标，蝼蚁一样佝偻求生的底层民众，梦境一般重现大银幕上，带着黏稠的呼吸和温度，在观众凝视的瞬间又活过来了。

磊乐、南江也是从底层浮到水面的幸存者，他们掌握权柄，虏获财富，并不能抵消梦魇般的饥饿记忆、死亡威胁和爱的缺失。

吕乐草莽出身，大字不识，却审时度势，胆大妄为，敢想敢干，带着一股子野性霸气。

江南家庭出身相对优渥，有文化，会英文，会钢琴，做人内敛绅士，两人的性格成互补关系。

他们通过权力敛财，借着警察的外壳拉帮结伙，让下面的人为自己卖命，但在漂浮不定的生命中，温暖时刻不多。

磊乐在香港日据时代，九死一生，混迹于流民饿殍，遇到把自己从死人堆里背出来的少女小瑜，成为了他的初恋，真心爱她，却无法救她于水火，只能眼睁睁看她死去，今后遇到的所有女人不过是小瑜的替身；南江被日本军官赏识，差点成为汉奸，最后和父亲侥幸逃脱，遇到喜欢的蔡真，她却选择了磊乐，今后他所遇到每个女人也只是蔡真的替身。

蔡真这个女人不简单，有野心和计谋，可能一半爱磊乐，一半爱自己，爱自己作为大嫂帮丈夫杀伐决断处理“脏活儿”时掌握生杀予夺权力、不停敛财的兴奋与快意。

《风再起时》带着史诗的气质，切入的是人物的爱欲情仇，所有历史事件、宏大命题，只是他们所经历的花边新闻。

磊乐、南江性格不同，弱点惊人地一致，都在日据时代有抹不去的恐慌经历，名利双收后爱而不得，只能更加放纵享乐。

他们离开喧嚣的名利场，回到家中就像一个没有灵魂的空壳，对着眼前的人却想着另外的人，这是最痛苦的时刻，没有任何东西可以麻醉。

磊乐、南江显然不是典型意义上的好人，南江尚有底线与道德，而磊乐就是野兽，当他从警后，在一番挣扎中，从路边颤颤巍巍的摊贩阿婆手中接过一张钞票的“保护费”，并塞入电筒尾巴里，他就已经无法成为好人了，变成了底层欺负底层的一份子，哪怕向上爬到顶端，都带着一生的污点。

磊乐、南江他们是枭雄，成王败寇，今朝有酒今朝醉。

尽管磊乐看不惯一直贪恋财富、权力的金燕玲、太保饰演的小姑夫妇俩，一把年纪还打打杀杀欲壑难平，希望他们赚足钱就尽早收手，但他的处境也差不多，钱哪里有嫌少的？

收不了手了，直到形势比人强，被刚刚成立的廉政公署威胁到后半生，才醒悟过来。

如果说《风再起时》有理想主义的正面角色，那就是老戏骨许冠文扮演的李子超，他在讲究人情世故、华洋杂处的世界隐忍偷生，希望惩处贪腐，严明警队纪律，致力于现代城市的法制化管理。

片尾，他和港督为代表的港英政府一帮高级官员的交涉过程中，表达了自己理想中的港岛秩序，令人感佩。

最后这个秩序在80年代后渐渐实现了，香港实现亚洲四小龙的飞升。

枭雄如磊乐、南江，他们早就没有理想，离开港岛就离开了故乡，离开了一切熟悉的语境，喜欢的市井气息，喜欢的食物，结交的生死弟兄，只能客死异国，就像一个尘埃坠落无声无息，他们的一生不过是一场大梦，尽管死前有自己不爱的女人陪伴着，内心始终泛起孤寒荒凉的细浪。

本文首发于“半斤八两抡电影”公众号，作者：半斤错位剪辑影片开场，一系列看似乱序的紧张场面，有人逃离，有人追踪，有人仓皇，有人焦急，穿插着廉政公署四处出击的调查行动，直到梁朝伟饰演的探长出场，拜访廉政公署负责人，节奏才开始稳下来。

只称“探长”，而不称名道姓，显然是叙事安排。

接下来的黑白影像里，先出场的是青年磊乐，后出场的是青年南江。

此处观众只能凭借形象去猜度谁是将来的梁朝伟，却没有具体指向。

在开场的快节奏剪辑段落里，曾经有一处是廉政公署负责人的台词——大意是“五亿探长，一定要查到底……”，此处是惯用的悬念，让观众带着疑问去求索——“五亿探长”怎样了？

现在出现的“探长”又是谁？

这样做的目的，并非故布疑阵，因为梁朝伟饰演的角色早被影片宣发透底。

反而是，在这样一个开场的视听逻辑里，我们会在一开始就混淆两个人：黑白影像里的青年，谁都可能成为将来的“五亿探长”，谁也都可能成为只身闯廉政公署的“探长”。

通过视觉的、叙事的诡计，把两个人剪辑成一个，早在《无间道》第一部和第二部已有珠玉在前，用意在强调命运无常，两人各自走上无法选择的无间道，成为自己一开始要铲除的那类人，卧底数年，终于彼此莫辨。

《风再起时》的错位剪辑，并不是要强调个体的“莫辨”，而是指向群体的（阶级的）立场。

错位剪辑出现在开场，给整部电影的剪辑定了调，以两大探长的视角交错呈现香港的警界变迁，跨度近四十年。

这一剪辑思路显然不是为了突出“双雄”套路，导演的用意不在表面的戏剧性。

两大探长的冲突，被处理在了暗处，不可开交时，安排阿嫂走一趟就解开了，这是对传奇性的消解。

把两人写成一个群体，没有南江也就没有磊乐，所谓“五亿探长”在《风再起时》中指向的是两个人、甚至一代人。

他俩的时代，终结于廉政公署确立的时期，他们立下的规矩被新秩序取代，成为历史。

错位剪辑，以最为简略的手法，点出了两人殊途同归的抉择与命运，无论是手电筒里塞保护费，还是给英国警官擦鞋，无论是逃亡于大陆，还是被俘在香港，两个青年在影像中就是一个人，他们都代表了香港青年——不甘于环境的规训、反抗旧秩序的迫害、苟活在侵略者的脚下……他们没有主动选择的余地，只有委曲图存的挣扎。

只是，1970年代与廉署对峙的“探长”，已经成了他们曾经反抗的对象。

对抗廉署调查，固守旧秩序，“探长”的远遁是必然，他们是趋利自保的既得利益者，而不再是挣扎求生的普通人。

影片终局，以探长们的全身而退，盖上了时代之棺。

但同时，廉政公署虽败犹荣，在视听处理上彻底压过了旧秩序的垂暮豪杰。

李子超（许冠文饰演）的慷慨陈词，或许败给了港督的“既往不咎”，可是，他提出的公务员理想，经由一则新闻婉转实现。

这则新闻的见证者，是远遁北美的暮年老人——曾经的五亿探长磊乐。

而李子超的理想实现之地，则是曾经与香港一样饱受战争和殖民摧残的另一处所在。

可是，正如导演亲自阐述的，“写给香港的情书”毕竟还是情书，总也忍不住要给豪杰唱悲歌。

因此，影片最后一个段落，是不能忘记的生存信念——风中残烛般的磊乐，只有在吞咽水果的时候，才能想起自己曾经是残酷生存环境的幸存者，甚至是后来的生存法则的制定者。

此处的视听设计，以吃的本能唤醒生存本能的记忆，彼时黑白影像里的磊乐，从死人手上夺食，目光如虎。

“梅毒”的语境错位剪辑结束于抗战胜利，两个青年重归警队。

形象上过渡到梁朝伟和郭富城，经由战争摧残带来的沧桑感，弥合了演员与角色间的年龄差距。

这里值得注意的是，两人共同出现的第一场戏，也是彼此第一次相识的段落里，各自所操的语言——磊乐的潮州口音粤语和南江的标准英语——除了揭示两人的出身差距，还看似无意地埋了个伏笔。

当时，在磊乐夸张地向警局同仁汇报自己的英勇之后，南江镇定而幽默地对英国警官做简报，他讲了个荤段子，提到了一个词——“梅毒”。

这个潜藏在英语荤段子里的syphilis一词，逗笑了当时警局里所有的英国佬。

导演给了磊乐一个反应，他讪笑着，掩饰着自己根本不通英文的尴尬。

这一刻，两个未来的探长，高下立判。

用英文讲荤梗儿的从容，暗示了南江才是真正能与殖民当局沟通的人，也同时点名了将来真正定规矩的人是南江，而不是磊乐。

这是语言的壁垒，同时，也是语境的阶级落差。

这一“闲笔”就此搁下，直到磊乐扇了南江耳光之后，独自去夜总会消遣，遭遇舞女。

此处突兀地插入了一段黑白影像，交代出磊乐心底一直爱着一个女人——小榆。

因为磊乐当时的弱小，无力保护小榆，她就此被强占为慰安妇，沦为日军的泄欲工具。

抗战胜利后，小榆被救出，可是，因为磊乐的穷困，他只能眼睁睁看着小榆失去治疗机会惨死。

夺走小榆生命的，正是“梅毒”。

在医生口中说出的“梅毒”，呼应了南江用英文说的“梅毒”，此时彼时，同一词汇飘荡在不同的语境上空。

日军犯下的罪，成了英国殖民当局的笑料。

小榆的死，对磊乐而言是愧疚的烙印。

而在观众处，多了一层心疼——磊乐永远不知道，夺走他挚爱女人生命的死神般的词汇，就盘踞在他赖以为生的空间上空，成了南江的社交扶手。

磊乐不通英文，就永远不会知道“梅毒”一词也被他自己笑过。

影片中后段，两位探长言和，在理发店背向而坐，南江又抛新词——Human Resource，磊乐的反应已经不是讪笑，而是半嗔半笑地训南江拽洋文。

这里的“人力资源”，在彼时的殖民时代，是探长之间的势力划分，一句英文，重整了分裂的警界和黑社会的秩序。

磊乐的无知，南江的从容，都是那个时代的悲哀。

而更可悲的是，他俩虽同为受害者，却也有阶级的高下。

看上去，南江是磊乐的副手，其实英国的警界高层倚重的是南江。

这一设计被两次强调，一是磊乐刚刚成为探长时，行事高调，英国的警监暗地问南江的意见——是否要替换掉磊乐？

第二次，是南江和磊乐对立，矛盾激化到极点，蔡真私下找南江，问为何南江与磊乐作对？

南江复述了被警监询问的事实，洗清了自己，指明他一直保着磊乐，坏规矩的是磊乐夫妇。

这一段落有两层用意，一是强调南江对磊乐不存在个人恩怨；二是强调南江更得警界信任，他的出身、语言、行事风格，都更适合做殖民者的帮办。

在这一层面，杜鹃饰演的蔡真是另一个语境里的南江。

蔡真是苏州移民二代，出身暴发户，懂英文，会交际，有城府。

她替磊乐做脏活，暗地合作勾连的势力，同样都是外省势力。

14K的郭少帮主，跛豪夫妇，是蔡真用以牵制整个黑社会的左右手。

甚至她资助的剧团，也同样是混迹香港的漂泊客。

蔡真和这些人同在一个语境里，她们之间更容易沟通利用。

有人批评杜鹃演的角色离谱，这是没看懂香港彼时的生态。

导演用一明一暗，勾勒出警界和黑社会两个彼此依存的群体，仅用两个角色，肩负了叙事里的情感线和“事业”线，凝练而有效。

殖民地的“老规矩”与“后殖民”的新秩序蔡真和南江，都是暗中制定规则的人，她俩把磊乐推上巅峰，连理由都一样——喜欢他的简单直接。

他俩之间说的话，磊乐照样听不懂。

蔡真暗中串联黑帮，操控两股势力彼此牵制，让磊乐从中得利。

然而，跛豪的失控，坏了南江的理想，所以才有那次枪击。

蔡真只身拜访南江家，两人谈的也是“恢复秩序”。

谈生意非要牵扯感情，暴露了叙事者的不自信，蔡真的脱衣穿衣也是港片的恶习，却也无碍主旨。

蔡真代表原始积累，南江代表监督纠错，两人共同成就了磊乐的霸业。

南江始终追求的是完善某种“规矩”，从磊乐提出帮派势力新格局开始，南江就在给他的“理想国”查漏补缺，他自称“聪明人”，只求最优解。

当他面对14K的骚乱时，也把政治诉求抛在一边，甚至为了解围可以随口编出自己的政治底色。

南江所执着的“规矩”，是为了让大家都有饭吃，相当于“给每个人擦鞋”。

蔡真的规矩，是扫清磊乐路上的一切障碍，不惜献身，这种狂热令人费解，因此不得不被简单粗暴地归结为“爱你没商量”。

可悲的是，蔡真和南江同样短视——她俩只解决问题，而枉顾问题的根源。

她们的献祭，造就了磊乐的独断和膨胀。

在陪着磊乐任性的每一天，她俩还要同时给自己洗脑——这是为了人人有饭吃。

磊乐是异数，他并不想改善什么，他要的是破旧立新。

他毕竟只是个实用主义者，要的是自己说了算，而不是真正建立“理想国”。

年轻时，磊乐拒收保护费，并不是他多么热爱警察职业，而是他不屑与黑警们为伍。

中年时，磊乐要定规矩，为的是人人有钱赚。

可是他根本不考虑自己既当裁判又下场踢球，做蛋糕的是他，分蛋糕的也是他。

尽管暂时解决了黑社会的乱局，可是把黑警养得更黑。

所以才有后面许冠文饰演的李子超的控诉。

磊乐作为探长，他管理黑社会的理念简单粗暴——成为最大的黑社会。

有他在，秩序不乱，社会维持表面繁荣。

但是，正因为有他在，繁荣背后是民众的不堪重负。

磊乐破了英国殖民者的规矩，破了日据时代的规矩，建立了自己的规矩。

为了生存，他把“弱肉强食”法则推行到极致，他自己做食物链的顶端。

磊乐和南江，都想抛开英国老爷，他俩要实现的是自己人管自己人。

可是，他俩的“管”，根本不是香港底层人想要的。

李子超面对英国高层控诉，民众家里着火都要塞钱给警察，才能有人来救火。

1960年代，在劳动者多次暴动的香港，磊乐和他的旧秩序已经无限接近于他刚做警察时候所反抗的“潜规则”，而他身处顶层，沉醉在他的认知偏差里，用黑钱筑牢他们的特权者城堡。

代表香港民众的是廉政公署，许冠文饰演的李子超出场，新秩序挑战旧规矩。

李子超登场给自己的定位是“公务员”，他为纳税人服务。

值得注意的是，许冠文在媒体面前讲的一句话，他说公务员受贿就是“礼崩乐坏”。

他用的词回归了华语传统语境，而他描述的理想社会，则是公平透明法治社会。

这是以“后殖民”的思路和词汇，反抗殖民者，同时拥抱现代法治秩序。

李子超代表的廉政公署，是对特权阶级的公然宣战，因此被警察暴动威胁，甚至逼得英国殖民当局暴露了本色——只把香港当成殖民地。

港督一句“既往不咎”，险些灭了香港的未来。

众所周知的历史常识是，廉政公署是香港后来成为法治、公平、自由的经济中心的前提保障。

而《风再起时》的磊乐、南江、蔡真们，他们的存在和成功，一方面阻碍了新秩序，另一方面也是黑色的过渡期必然的污点。

他们做大了蛋糕，代表了香港财富的原始积累阶段。

只是，李子超的出场太晚了，尽管导演用他做开头结尾，试图做成闭环的叙事结构，呼吁法治社会的来临。

但是，真正的主角还是弱肉强食的人，小榆、小燕以及被磊乐杀死的小榆哥哥，都是人血馒头，都不可能被浪漫化的《风再起时》所关照到。

小榆和小燕，她们的美，被磊乐记住，被镜头凝视。

而小榆的哥哥，就只让我们看到了被咬掉的耳朵，和囚服上绣着的号码。

在故事本体里，战争并没给豪杰们带来多深的创伤，反而是杀不死的让他们更加强大。

甚至，在被绝对浪漫化的爱情里，磊乐对小榆也犯有理所当然的生存原罪。

如果不杀了小榆的哥哥，磊乐就必死——这个残酷游戏，又让磊乐多了份亏欠，小榆因此成了不可忘记的存在。

但是，镜头里的磊乐太过潇洒，他和南江的举手投足，每一帧都能成为《名利场》的封面。

所谓的“罪”，只是他在染上鸦片瘾时候才被提及。

而他就连抽鸦片都被叙事者同情，当时他正陷入到另一段创伤——小燕和胎儿都被害死，而这也是他对小榆的镜像之爱，由此显得专一纯情，小榆和小燕的生命代价，换来了磊乐的悲情高光——他永远得不到他相同阶级的爱人。

比起导演对磊乐和南江们远走他乡的落寞施以的同情，我反而更关心磊乐是如何从卓尔不群变成同流合污的？

如果说为了生存？

恐怕是太过牵强的理由。

毕竟，磊乐从不反思，南江也不忐忑，他们都没有《美国往事》中麦克斯和面条的审视与自省。

毕竟，客死异乡的磊乐，只是忘了意气风发时喝彩狂欢的拍子而已。

《风再起时》浪漫化的视听里，磊乐们的罪，被粗暴地归给时代，因而每一个代表着阶级群体的角色纵深也被压得扁平。

“给香港的情书”由此更像是一张明信片——取消了阶级纵深的角色群像，充其量只能是做旧的景片。

《风再起时》是直接集结了五位影帝，让我们感受到了一个不一样的港片，而且所呈现出来的内容还是20世纪中叶的香港，但是所给我们呈现出来的却又与印象当中那种充满血腥的权力斗争不同，更多的是让我们看到了两个风云人物的成长，从一开始的兄弟结识到最后反目成仇的这一系列过程，都让我们看到了枭雄人物的成长，而在这一系列的经历过程当中又不乏缺失情怀所在，相信这样一部充满年代岁月感的港片，能够让大家对于香港是有更多的认识。

这部影片当中的画质和光影的运用把这种香港的史诗气质也是直接呈现在了我们面前，还原出了六七十年代香港的街道景区，服装搭配上也很有韵味，复古的浓郁气息也制作的刚刚好，这些质感的内容都值得我们去细细的品味，甚至能够让人直接感受到当时那个年代人物的真实感。

音乐和画面的完美配合加上演员动情的出色，能够充分调动观众观影时的情绪，更是有一种别具一格的观看体验，风云香港时产生的风云人物给我们内心带来的触动也是非常的强烈，对于他们的成长更多的是佩服。

两星半。

看本片之前先看了翁子光导演的小作文，写得情真意切，看得出导演想拍自己的《香港往事》之心多么的热切，即使注定了吃力不讨好，也要拍。

开场不久的摇臂、群演数量、繁复华丽的道具和置景（但有些太新了）每个场景都在说，我们花了不少！

这么大的制作，确实不忍心打两星。

但影片的前四十分钟看下来，翁子光导演是真的驾驭不了历史洪流下的人物叙事，堪堪拍成流水账；且这不是最残忍的，最残忍的是流水账里的视听消失了！

只有春夏出来的那个黑白怼脸镜头让我回忆起《踏雪寻梅》的翁子光，其余真的如网友“热议”像是MV的剪辑拼贴。

还有不停致敬王家卫我就不展开了，毕竟不是这两年第一个把梁朝伟当周慕云用的导演，我理解并尊重。

正因为前述的缺点，几乎没有一个得到长篇讲述的角色是有内在逻辑的，都仿佛是导演脑海中特定人物的拼贴，光影中的跑马灯，只有谭耀文的角色逻辑和人物动线稳稳完成的。

当然也不是没有优点，有几场戏还莫名其妙拍得挺好的：一个是50分钟左右的麻将戏，磊乐掌掴南江，那一刻突然电影就从前四十来分钟的Trailer活过来了，因为人物都活过来了！

好，他们之间是有戏剧冲突，有情感联系的，然后呢，然后就没有然后了……其二是磊乐和妻子杜鹃吵架，失手把鱼缸打碎，这一幕有一种从视觉上冲破了全片死气沉沉的传统闭合叙事，从外面来了一拳振奋人心的感觉。

私以为导演甚至可能为了这一幕包了整顿饺子。

其三是南江磊乐决裂后吃汤圆（我说真的这部电影的叙事就不要再说《香港往事》了，我觉得莱昂内泉下有知会很生气，建议每个看完本片的网友都再看一遍《西部往事》），镜头我记得从吃汤圆的场地横摇到了隔壁的贫民窟，在本片未在空间层次做任何文章的前提下这一幕真的是个惊喜（翁子光，这都能成优点你反思一下）。

其四是南磊二人在理发店背对着错位回头相视一笑，用了镜子构造出平面内的层次感，天啊我看了简直感动，终于看到了（久违的）影像意识。

总之是一部说太差吧不至于且于心不忍，说好吧又忍不住翻白眼的电影（而且好些场景看得出导演很痴迷觉得拍得很美，但作为观众真的忍不住笑出声了！！

）主要问题是导演自认为可以用“挥霍情绪”来构建叙事，但是没有这个能力，于是连基本的人物和事件都消失了。

单看几个场景，比如许冠文的speech和最后磊乐的结局，感觉导演是有能力进行人物叙事的，为何放弃拿手的武器却用起了王家卫呢？

最后重点表扬丁可的原声带，救了大命了。

连续两天看了两遍，还是不知道怎么和人形容《风再起时》。

梁朝伟在电影快结束的时候有一段台词：“香港是个神奇的地方，这里什么都可以混在一起，什么事都可以发生”，刚好能表达这部电影给我的感受：一个说不清好还是坏的年代，一些说不上善还是恶的人，说不清是值得还是不值得的一生。

所以理解许多人不喜欢这部电影，太暧昧的东西总是让人坐立难安，没有惯性，没有一个明白清楚的结论和定义。

人家都以为海报把梁朝伟郭富城放得那么大，拍的肯定是势同水火、龙虎相争，其实不看个两遍三遍，可能甚至搞不清楚他们到底是怎么看待彼此的。

真的第一次看那么难以被定义的双男主电影，不算朋友也不算敌人、不是兄弟也不是仇人。

可是偏偏就是这模糊不清的东西撞到我的审美上啊——因为这么参差不齐的、意味不明的表达，才有人的味道，才显出人的脆弱和渺小。

五亿探长如何？

一代枭雄又如何？

那么风云传奇的人也只是雾里看花地活了一生。

像梁朝伟的角色晚年时讲：其实大家都是第一次活，哪里来得及想那么多？

戏里的人没想什么，看戏的人却爱想多。

每一个角色和每一个角色的关系都让我陷进去，想那些形态和性质都定义不了的情感到底算什么。

和朋友都觉得这部电影的选角太精妙，演员气质和角色无比贴合——阿王（郭富城的昵称）给人的感觉就是什么都要，要活着，要得到；而伟仔就像性冷淡，什么都无所谓，要死要活也都看淡。

两个人再加上杜鹃，演的是千回百转的三角恋，但其实这里边南江（梁朝伟）和蔡真（杜鹃）更像，像到甚至很多他们的台词都可以共用。

蔡真说：我喜欢你是因为你不兜圈子。

蔡真说：因为你想（变好），所以我才肯帮你。

蔡真说：别人都说我很倔，其实我觉得我很孤独。

蔡真是宽裕体面的家庭出身，但是小时候就没了母亲——这样想就觉得，其实南江何尝不是这样子？

磊乐（郭富城）对他们来说是另外一个世界的人：从泥里、从尸堆里、从蛮荒之地里爬出来，眼睛里永远装着生存渴望的一个人。

那种野心，那种生机，那种非常裸露直给的纯真（南江形容磊乐的原话），对他们来说，也许太陌生了，所以成为他们愿意去伸手拢住的东西。

其实蔡真爱磊乐肯定是爱得疯了。

她爱他爱到有一种母性在眼神里，让我想起姜思达一首叫《情人》的诗：我看着你熟睡的后脑勺/突然想做一次母亲/把你放进来/再孕育你一次。

她真的替他了生孩子，在他还没来得及和她求婚的时候自己就戴上戒指、问他想生几个、问他是不是更喜欢儿子——她也真的把他当是一个自己的孩子——他出轨，她说谢谢那个女人在我忙的时候替我照顾你，好像她那个在荃湾做华人探长的先生是一个需要隔几个小时更换一次尿布的幼儿；他要上位，在她眼里好像是他要一个橱窗里的玩具一样，她不动声色地就去给他付钱，不管那是任何代价。

这部电影里的郭富城像是故意被呈现得一点也不迷人，比她矮，有中年男人油腻的肚腩，有皱纹。

而杜鹃从头到尾就是挺直着脊梁站在那里，看什么都带着俯视的眼神。

而这样一个女人还是折腰了：一次是附身看她摇篮的宝宝，另一次是在佛前祝祷，祈求神佛保佑她的先生。

很不正确的性别观念，我知道——但也是一个很真情的爱人，蔡真。

很多人没发觉的是可能南江也是喜欢磊乐的。

在这两个主宾之间选一个恰当的动词很难，我能确定的只是这应该会是一个正面的词。

电影拍到中段，南江麾下收了跛豪、收买磊乐的人，好多观众的胃口大概都被吊高、以为两个男主终于要好好争一场。

仔仔细细看了两遍我才明白，南江说“我从来没有想过要和磊乐争，相反，我一直都在帮他”——其实每一个字都是真的。

这漫长的一辈子里他看着磊乐升职、结婚、娶他爱慕的女人，和他比肩而立过、被他用枪指过、被他的巴掌扇过。

那些时候南江到底在想什么？

像梁朝伟那么一个无所谓、没欲求的人会想什么？

没人知道。

回到少年时光，他弹钢琴扮帅、要吸引一个自己倾心的女人，聚光灯下却突然冲出另外一个随性不拘开始跳踢踏舞的男人，他弹的琴于是成为另一个人的伴奏。

如果说南江这个角色从头到尾都是磊乐的陪衬，我想没有观众能接受。

可离开钢琴的时候南江看着磊乐，淡淡地笑了——谁都是只活一次，哪里来得及想那么多。

当时他没想过面前这个人其实是他的情敌，娶走他一生挚爱的女人。

他可能只是想：这个人跳舞还挺好看的。

再写下去又让人觉得是同人女有大病在发作，看到随便两个好看的男人总是意淫他们之间有什么。

可是《风再起时》原本就故意把这些情绪拍得很暧昧，谁的余光里都有别人。

而我喜欢这些片段里的情真——因为没定义，所以没标准，没有人能说这感情不够格。

“我看着你的这些时间里想过一些关于你的什么”。

如果南江想过关于磊乐的什么，或许真的就和蔡真是一样的：因为你也想要一个更好的香港，所以我帮你。

——爱香港的人其实是翁子光，不是他的角色。

这一生别无选择，有的事不想记得可是发生了，有的人不想失去可是没有了。

如果南江或磊乐有得选，他们也不愿活在那个时代的香港，哪怕他们已经是命如草芥的众生最幸运的两个。

但记录着这一切的翁子光，他的镜头语言充满了耐心和关怀；像是他真的很想回到那个兵荒马乱的时代，去拥抱他拍摄的每一个人一样。

风再起时，它吹拂到人身上的感觉也许恰如一个拥抱那么柔软。

也许对很多从那个时代走来的香港人来说，最像情人的存在就是这片土地和这里生活的人，仅此而已。

《风再起时》是双雄故事，电影的一开场就能显示出这一点，梁朝伟和郭富城的旁白相继而起，这是属于香港华人总探长南江和磊乐的双视角故事，而且这个故事充斥着宿命感。

故事始于上世纪三十年代动荡的香港，南江和磊乐，一个是马上就要和家人踏上逃亡之路的富家公子，一个是初入警界的愣头青，双线并叙，显然他们的故事注定了会有交集。

作为一个小警员，磊乐一开始内心还存有正义感、有理想，会坚持做正确的事，那时他说“不收钱是因为不想成为烂人”，没想到到最后他却说“没钱会死人的”，这是大环境使然，从不想随波逐流到登上权利之巅，时间潜移默化地改变了一个人的思想。

所以电影到后面，许冠文那一段振聋发聩的关于廉政的独白和磊乐最初的理想形成了互文关系时，磊乐的命运和人生便更显讽刺和悲怆了。

在踏上逃亡之路的前夜，南江面对打字机和枪该如何二选一时果断选择了后者，他本以为在这乱世之中可以掌控自己的人生，却不想家人依然无法得到他的保护，到最后亲情和爱情都不遂人意，他只能把这一切看淡。

在遇到磊乐时，那时南江的心思早就转向了争权夺利，但经历了合作、背叛、夺权后，在枪口瞄准对方的那一刻两人又不约而同放下。

争权夺利在这一刻也变得没有意义了。

翁子光是作者型导演，《风再起时》是反传统类型的，是有他自己格调的“香港往事”。

这是一个诚恳的故事，有作者表达，有对逝去时代的还原，音乐和画面也特别考究，可谓20 世纪中叶的香港迄今为止最好的电影。

大家如果有机会还请选择粤语版观赏，那样对白中所富有的情感在传递给观众时才不会有所流失。

《风再起时》这部影片让我觉得最难能可贵的地方，就是它不仅将传统港片当中的韵味和气质都呈现在我们的面前，而且同时还能够让我们看到一个不一样的时代岁月感。

导演的用心制作和画面的安排都是一种极度的观看体验，尤其是正反两派的激烈枪战简直是质感十足独具特色的香港味道。

英雄之间的冲突对峙更是看得人内心澎湃，在音乐和画面的调配之下，能调动观众对香港的史诗情怀。

虽然有着充满激烈的对峙场面，但同时整体给我们的感觉却是一种温柔浪漫，对于人物的命运及其爱情故事更是感到可悲可叹，以为能够掌握自己的命运，但却经历的种种事件让其早已无法做到真正自由。

那影片主要是让我们看到了两代枭雄的个人成长经历，但是在其背后，更是让我们对于女性有了一个思考，在那个独特的年代之下，那些能够对自己充满主见思考的独立女性让人非常的佩服，更是能够为爱奔赴为，虽然是为爱错付，但是这一份勇气却是难能可贵。

整部影片当中，既有激烈的打斗场面，也有温柔的情感岁月，看完之后给内心带来的感触也是久久难以忘怀。

春节临近尾声，《流浪地球2》和《满江红》的票房争夺战杀得难分难解，半路却加入了一个搅局者。

就在2月5日元宵节，由郭富城和梁朝伟主演的新片《风再起时》上映了。

这是郭富城和梁朝伟出道40多年来的首次银幕合作（之前合作过电视剧），本片去年曾代表香港角逐奥斯卡金像奖，按理说应该是万众瞩目才对。

可事实上，《风再起时》的关注度低得可怜。

这一点从票房上体现的最明显。

《风再起时》的首日票房只有1000多万，春节档的6部电影中，它只比《交换人生》高，别说票房大卖了，连回本都是个问题。

背后的原因有三。

其一，新片不新。

《风再起时》早在2017年就开拍了，2018年就杀青了，之后因为审核问题一直无法上映，雪藏到现在。

一部6年前拍摄的“新片”，很难对观众产生太大的吸引力。

对片方来说，本片能上映已经可喜可贺了，就不是冲着卖钱的，是冲着回点儿血的。

影片片名也很复古，《风再起时》是张国荣的一首歌，一般以歌曲名字为题的电影口碑都一言难尽，比如《栀子花开》《为你写诗》《大约在冬季》。

其二，本片其实是plan B。

2016年，《时尚先生》发表了一篇特稿《太平洋大逃杀亲历者自述》，讲述了“鲁荣渔2682号”渔船上11位船员杀害22名同伴的故事，乐视影业花了百万买来了拍摄权，并且找来香港导演翁子光指导。

翁子光给该片起名《海祭》，但是这个故事太过血腥残酷，他先后写了10稿剧本，都没有通过审核，只能放弃。

《海祭》失败后，为了弥补损失，翁子光立刻召集郭富城和梁朝伟拍摄了《风再起时》，还请来许冠杰来救场。

尽管有众多巨星加盟，但作为一个Plan B，想要完美几乎不可能，翁子光自己也坦言“没觉得《风再起时》拍得多好，也不可能太火爆。

”其三，影片的故事俗套如果看了故事简介，估计很多人会皱起眉头，《风再起时》讲的是香港上世纪六七十年代，“四大探长”中两位探长的故事。

在过去30多年里，四大探长和跛豪的故事已经被拍了几十次了，我们熟悉的就有《跛豪》《雷洛传》《追龙》等，一个故事翻来覆去拍，观众早已腻歪了。

而且港片这几年拍片就像流水线产品一样，大量情节雷同的《XX风云》《XX风暴》《XX帝国》系列片轮番轰炸影院，观众已经被驯化到一看到片名就能猜出剧情的地步：郭富城一定是穿着紧身职业装梳着大背头然后大发雷霆，郭富城梁家辉一定会互相怒目而视然后放狠话，一身荷枪实弹的警察一定会从天而降包围犯罪现场，当然还有千篇一律的枪战戏和爆炸戏。

为了给大家“排雷”，我第一时间去看了影片。

简单来说，《风再起时》给我的感觉和古天乐的《明日战记》类似，是一部优点和缺点都很明显的作品，影片拍得很有质感，处处能看到创作者的诚意，可惜也有无法挽回的硬伤与遗憾。

1.一封写给香港的情书《风再起时》是一部人物传记片，给人的第一观感极佳，有点王家卫《一代宗师》的感觉，能看出导演翁子光是倾注了巨大心血的。

翁子光在采访时就谈到，他拍本片的原因有二。

其一，他在和郭富城合作《踏雪寻梅》时被郭富城精致的外表吸引，他觉得郭富城酷似好莱坞的小李子，他想为郭富城拍一部香港黑帮电影。

其二，翁子光是从那个年代过来的人，他很喜欢四大探长和跛豪的故事，尽管已经有《雷洛传》和《跛豪》珠玉在前，他要拍一部属于翁子光的，这是写给香港的一封情书。

《踏雪寻梅》拍完后引发了业内轰动，在金像奖上拿到了五项大奖，翁子光也获得了一大笔投资，他正是用这笔钱请来了郭富城、梁朝伟以及金像奖第一届影帝许冠文，要拍一部真正的香港史诗。

翁子光的野心极大，《风再起时》不同于之前任何的同题材作品，它不局限于一个时代和一个事件，而是以双雄探长磊乐与南江为视角，借他们的起起伏伏，描绘了香港从1940年到2000年近60年的风云变幻。

本片第一版剪了6个小时，第二版剪了4个小时，直到第三版才剪成最终的144分钟（内地版143分钟），内部看片会上，大家的反映是，影片品质不错，但是怕三四线城市的人看不明白。

翁子光的选择是坚持，他说《风再起时》是一部既传统又很新的电影，他无法保证五六七八线城市的人能看懂，他只能保证品质。

影片就如同一幅恢弘的画卷，徐徐铺展开。

上世纪40年代，香港沦陷，两位主角也开始了迥异的人生路线。

郭富城饰演的磊乐，以四大探长的吕乐为原型，他出生贫寒之家，战乱时流离失所，最后是从死人堆里爬出来，然后成为一名警察，一步步登上了权力巅峰；梁朝伟饰演的南江，以四大探长之一的蓝刚为原型，他出生富贵之家，成年后，父亲让他在打字机和手枪之间二选一，他选择了后者，用手枪书写自己的辉煌。

进入50年代，两人都成为香港警司的中坚力量，他们是同事，是好友，同时也是情敌。

穷小子磊乐意外战胜了富公子南江，赢得了美女蔡真（杜鹃 饰）的芳心。

南江与他从此貌合神离。

60年代，磊乐与南江合伙建立了香港警察贪污制度，本意是为警局创收，却催生出了跛豪（许君豪 饰）这样的大毒枭，两个风云人物也在正邪之间的抉择中渐行渐远。

磊乐婚后邂逅曾经的患难之交小愉（春夏 饰），还给自己的亲生女儿起名叫念愉，老婆知道后暴怒，暗中买通中医给小愉开毒药，使得小愉服药堕胎后一命呜呼，临死前靠吸食鸦片缓解痛苦。

磊乐在陪伴小愉的过程中也染上了鸦片，腐化的警长背后是腐化的制度，警司内部已经分成两派，磊乐与南江终于反目成仇，在暴雨天里兵戈相见。

到了70年代，香港廉政公署成立，调查主任李子超（许冠文 饰）开始对贪污探长进行调查，两位显赫一时的探长就此告别了属于他们的大时代。

南江带着妻子跑去了泰国，于1989年去世，磊乐则和妻子冰释前嫌，一直活到了千禧年之后。

影片的时间跨度长达60年，在2个小时里浮光掠影地回溯了香港在殖民时代落幕前的社会篇章，是港片中少见的“大格局电影”。

2.一个的形式大于内容的“四不像”但它的优点也是它的缺点。

导演想拍史诗，效仿《美国往事》拍一部《香港往事》。

影片中磊乐初遇小愉时的相濡以沫，弥留之际吸食鸦片时的放浪形骸，都能让我们联想起《美国往事》里类似的画面。

可惜的是，香港的历史内涵完全撑不起一部史诗的重量。

比如40年代，内地正在抗战，我们能从太多的抗战影片里看到了家国情怀，和香港类似的上海正处于“孤岛时期”，我们也从《兰心大剧院》《无名》里看到笼罩在时代天空上的波诡云谲。

但《风再起时》中同时期的香港，磊乐警察因为不收保护费被暴打，故事太小了，等于是搭了个巨大的时代背景，讲的还是港片里的职场霸凌。

比如5、60年代，美国正在经历垮掉的一代和嬉皮士文化，《阿甘正传》这样解构历史的电影就很有深度；中国内地正在经历社会巨变，直接催生出了80年代的伤痕文学，第五代导演的创作素材也多来源于此。

但《风再起时》中同时期的香港，却在讲述探长与跛豪之间的相互勾结，看似是宏大叙事，其实讲的还是港片里讲过无数遍的街头巷战。

导演又想拍出文化，可是香港是缺乏文化底蕴的。

这话是翁子光自己说的。

他说：“香港人没有很强烈的乡愁、苦难，没有经历过文化的冲击，他们一直在一个很强的安全线上面。

很多时候都是消费主义、享乐主义。

什么尽皆癫狂，尽皆过火。

这些都是哄香港电影人的，硬要给香港电影赋予意义”经典的史诗电影，都是把文化渗透进电影里，《风再起时》则像是电影套了一层文化保鲜膜，不撕掉时我们和故事像隔了一层东西，撕掉以后故事迅速枯萎。

比如影片整体的构图、运镜、调度都特别的讲究，最经典的是110分钟左右的枪战戏，两大探长带着小弟相互激战。

拍摄地点在广东的一个影城，和周星驰的《功夫》王家卫《一代宗师》同款拍摄地，导演用了各种手法表现双雄对决。

比如笼中受惊吓的鸟，天空中的阴雨绵绵，文艺感十足的配乐，穿梭在其中的小孩，从空中坠落挡住子弹的八卦镜等等。

镜头有鸟瞰全景、仰拍脚印、主角特写等视角。

一切看上去美轮美奂，可故事却乏善可陈，两个主角大打出手，最后全身而退，连我们熟悉的主角怒目而视、互相放狠话环节都没有，就全身而退了。

整体观感就是用《花样年华》的电影语言去拍《无间道》，你只记住了画面，记住了场景调度，记不住故事，。

再比如影片中处处可见的文艺镜头。

梁朝伟弹琴，郭富城跳舞，让人想到了《低俗小说》；郭富城雨中求爱杜鹃，让人想到了《雨中情》；梁朝伟最后和杜鹃表明心意，一个人独舞，让人想到了《导火线》。

这些原本都是点到为止的致敬画面，导演却沉溺其中，用大段的慢镜头来表现，节奏感全被拖垮了，很多观众吐槽，看到郭富城和杜鹃雨中起舞的慢镜头，仿佛在看德芙巧克力的广告片。

最后，我们期待的是一部双雄电影。

可惜本片主角有真实的人物原型，创造上受到各方面掣肘，只能按照真实情况来拍，很难呈现出绝代双骄的那种戏剧冲突。

这使得，郭富城和梁朝伟在片中的对手戏远没有想象得多，一起的戏份就是互相插科打诨，然后各自为战。

很多对手戏都是强加的，比如郭富城在上厕所调侃梁朝伟是“无厘头尻”，比如上文提到的没有起承转合的那场枪战戏。

人物造型上，原本可以有更大突破，大概也是受到原型人物影响，也只能中规中矩。

最大的问题是郭富城的角色，他是底层出身，本该身上带着草根味儿，郭富城在《踏雪寻梅》《无双》里已经证明了，他是可以演屌丝，也可以演小弟的。

可是本片中他一出场就妆容精致，穿着紧身紧身职业装，梳着大背头，自带精英范儿，像是从《寒战》的片场赶过来的。

片中他追求杜鹃，原本是穷小子追富家女的逆袭，可观众都觉得是郭富城亏了。

他和春夏的感情戏，是穷小子和苦命女的相濡以沫，但观众很难代入这段感情里。

一个有趣的细节是，导演透露春夏只去片场拍摄了3天的戏，却剪出了20分钟的剧情，这当然是对春夏演技的肯定，但也侧面说明两位男神的对决并没有想象中的精彩。

3.这是一本香港电影的启示录《风再起时》给人的感觉就是，导演把已经陈旧的食材，用最高级的配料和烹饪手法制作出来，并且配上精美的包装。

观众初看觉得惊艳，打开包装后也能闻到响起扑鼻，吃下一口后有些似曾相识味道还算马马虎虎，直到吃到一块儿发酸的肉丁后才忍不住惊叫，这不就是昨晚被我丢进垃圾桶里的残羹冷炙吗？

怎么换了个马甲又端上桌了。

这种观感，像极了古天乐的《明日战记》。

翁子光和古天乐一样，在拍摄各自的作品时都付出了巨大的心血，可他们感动了自己，却感动不了观众。

原因就是最初的方向就错了。

香港，外表看是国际化大都市，其实上是殖民统治下的弹丸之地，是西方文明和岭南文化碰撞的产物。

香港电影，适合拍摄“小而精”的东西，不适合拍“大而全”的史诗。

我们数一下近几年口碑和票房不错的佳作，全都是这个类型，比如《拆弹专家2》《无双》《怒火·重案》等。

古天乐和翁子光就是在这块土地上生长起来的电影人，他们的经验、视野、思维都受到了香港文化的影响。

当他们试图跨过自身的局限性拍摄“大电影”时，就不可避免地遭遇了“小孩儿穿大人衣服”的尴尬《明日战记》拍得不错，但和《流浪地球2》一对比，各方面都太小了，就是个穿了层科幻外衣的太空警匪片；《风再起时》拍得也还行，但和《美国往事》一对比，也太单薄了，就是个套了件大时代外壳的警匪片集锦合集。

《明日战记》豆瓣评分6.1分，《风再起时》豆瓣开分6.6分，也基本佐证了我的观点。

不过，两部影片虽然有着明显的硬伤和缺点，却是当下港片式微的两次勇敢的尝试，希望香港的电影人不要气馁，内地广阔的市场给他们提供了足够多的试错空间，港片的荣光等着他们去重新点燃。

又无聊又装逼，空洞而无物。

整个故事主线极其模糊，恐怕连翁子光自己想表达什么都说不清，看海报以为是双雄片，开头放了几分钟以为是展现时代变迁的历史片，突然又变成了郭富城的磊乐枭雄片，拍着拍着磊乐就消失了，叙事视角又转到了梁朝伟的南江上，最后发现自己不知道讲了啥，强行让许冠文上价值。

电影语言上，好却又不好，摄影有讲究，但是过于讲究，仿佛导演摁着我们的头说:“快看快看！

我多会用技法。

”明明全片各种粗口台词床戏镜头乱飞，还要秀几句文艺字幕显得深沉，充斥着对王家卫的拙劣模仿。

演员上，郭富城四平八稳没啥可说。

梁朝伟不必多说，气质台词演技很稳很有味，与杜鹃红旗袍那段的分镜色调明显就是致敬花样年华。

杜鹃不想再说，全片面部表情都像是嘴里被硬塞了💩一样。