水中生活

史蒂夫（比尔·默瑞 Bill Murray 饰）是一名海洋纪录片导演，他的作品曾经为许多孩子的童年披上了梦幻的色彩。

在一次拍摄中，史蒂夫的老朋友死于美洲虎鲨之口，这让史蒂夫深受打击，他发誓要找到虎鲨，为友报仇，并且将此作为新片的题材。

在发布会上，史蒂夫遇见了自称是自己儿子的耐德（欧文·威尔逊 Owen Wilson 饰），他遂邀请这个年轻人加入他的创作团队。

史蒂夫要面临的难题很多，资金短缺，和妻子的感情不和，并且，他所拍摄的纪录片已经渐渐的失去了吸引力。

一位名叫珍妮（凯特·布兰切特 Cate Blanchett）的记者加入了史蒂夫的团队，她要为他写一本个人传记，然而，她和史蒂夫的相处并不融洽，倒是和耐德越走越近，这让史蒂夫醋意大发。

同时，耐德的真实身份也让史蒂夫心寸怀疑。

一群海盗的光临让史蒂夫的计划彻底破产，一名船员也惨遭绑架，面对这样糟糕的境况，身经百战的史蒂夫能够完成他的复仇计划吗？

Oscar & Lucinda，Notes on a Scandal，Charlotte Gray，Heaven⋯⋯品味过十几部Cate Blanchett的片子，从没怀疑过她诠释角色的才能和挑选剧本的慧眼。

也是因为她了解到这部片子。

至于Bill Murray，纵然不一定是荧幕上的救世英雄，但也实在对他屡屡塑造的窝囊知识份子形象不感冒。

特别是Lost in Translation，没看进去，就难免觉得片子自恋，越是觉得自恋就越是不买账。

他和Scarlet Johanson这对不讨我欢喜的配对加速了这个恶性循环。

对他印象最深的，还是Coffee & Cigarette——毕竟还有Tom Waits，White Strips这样的跨界大名。

在不严格意义上，这片子也算是他和Cate的第一次“合作”。

于是想，这次两人正面交锋，Cate一贯的女强人形象应该能够激发出他别样的素质。

影片可算是半戏中戏，讲述以Bill Murray为首的水中生物研究兼纪录片创作团队的又一次冒险之旅。

上一部纪录片“滑铁卢”为整部影片定下了有些哀怨的基调，寻找鲨鱼为死去好友报仇的这一次旅程是整个影片的基石。

久而重逢的儿子、情史丰富的恋人、亦敌亦友的记者以及各有所思的团队成员，这些表面上混乱无序却又暗中相互牵制影响的矛盾关系围绕着Bill杂草丛生般地疯长。

对我来说，影片最大的出彩之处就是对纪录片戏里做作和戏外琐碎的描写讽刺而真诚，对人物间关系“大乱炖”式的描写杂而不乱，形散而神凝——怎么让我想到了2003年上海高考语文作文题目⋯⋯不得不特别提到团队中的葡萄牙作曲小伙儿Seu Jorge。

他对David Bowie名曲的葡语版重新演绎简直是天衣无缝、令人陶醉。

工作时，他在录音室为纪录片创作配乐，闲暇时他也是一个人坐在船头弹弹唱唱。

任凭船上腥风血雨、歇斯底里，他也毫不理会、陶醉始终。

他的每一次出现，都是对影片大环境的又一次强调，也把观众从琐碎的关系中抽离出来，放松了身心，极具象征意味。

一直认为电影里用音乐都是得有些勇气和资本的。

电影是电影，音乐是音乐，搅在一起难免哗众取宠或者两败俱伤。

当然对于Dazed and Confused这样有些时间烙印的“派队”般热闹的影片，应景的歌是多多益善，但如果试图往深处走，音乐还是慎用为妙。

我以为Mysterious Skin就是个很好的例子。

影片的叙事沉稳而独特，开始看得也很入味，但是越到后面注意力越被其中的音乐拉走，以至于几天之后，脑子里都是Robin Guthrie & Harold Budd写的那首"Snow"和Sigur Rós的"Samskeyti"，而对于影片本身的记忆却只剩下几个残缺的画面。

说到Sigur Rós，不知道多少人是像我一样第一次从20世纪末的某期《音像世界》杂志上了解到的。

之后高中时去英国交流访问，在伦敦某个Virgin Mega Store径直塞给店员一张清单，上面洋洋洒洒20张唱片有Korn，也有Sigur Rós那张Ágætis Byrjun。

回来在partner家中试听到这张，本身还处在没有调过时差似的晕眩状态，随着Jónsi的歌声就飞了。

那时觉得自己特别幸运，凭着一页飘忽不定的文字就挖掘到了这声音。

可能是因为那时的文字还没有现在这么泛滥，对文字的理解也处在很敏感的状态。

回国后只把这张唱片推荐给了臭气相投的初中神交，还专门给她刻了一个拷贝。

到现在还有这种病态的吝啬，恨不得把挚爱的电影和唱片握在手心、含在嘴里，只供自己御用，生怕它们在风言风语中沾染了邪气——绝对比Lost in Translation还自恋。

一年前申请了豆瓣帐户。

点开Sigur Rós新专辑的页面，呆了：收藏人数两千多。

当时觉得，八年后，一下子被潮流冲出了自己的小世界，并怀着矛盾的心情发现大世界已经向共产主义（或者是共享主义）又迈进了一步。

回首这八年，Sigur Rós成了我审视全球化的一个参照物。

从冰岛到欧洲，从美国到中国，他们已经算是风靡世界的大牌了！

印象中第一部用他们音乐的大片是小汤哥Cruise和大嘴妹Diaz演的《Vanilla Sky》。

它们的音乐确有种魔力，可以调动全身所有的神经来感受画面的刺激，进而让电影故事产生短暂的升华。

但大多数时候，这种升华只是瞬间的气泡，荧惑人心，等到气泡消散了，电影的魅力反而被音乐所榨干。

说了这么多Sigur Rós，其实只是欲扬先抑。

扬就扬在这部影片的结尾。

儿子光荣牺牲。

当观众还沉浸在这个小高潮的悲痛中时，影片低调地一刀剪出所有队员挤在潜水艇中的场景。

影片用充满戏剧性的沉默和静止衬托着队员们内心深处被唤起的勇敢和信念。

谁都不知道它们所寻找的这只神秘鲨鱼有着多么凶残的模样，甚至不知道它是否是一条鲨鱼，或者是否真的存在。

就在此时，潜水艇停在仪器显示的方位。

历经磨难的观众和队员们在幽暗深海里屏住呼吸，对话自然。

Sigur Rós的Starálfur响起，答案揭晓。

这是我第一次目睹一部影片和Sigur Rós如此完美的融合，一种幸福感犹然而生。

片子成功了，Bill Murray终于也做了一次英雄，虽然代价不菲。

Love Actually之类的片子让很多人觉得温馨，还有更多片子让我们感到快乐，但是一种洗尽铅华的幸福感，我还很少在电影里体会到。

这部有些无厘头的喜剧片算是其中之一。

David Bowie的加成很受用。

片中黑人小哥用不知道哪国语言（看片尾的说明应该是葡萄牙语）改编了好多David Bowie的歌，弹唱插进故事里面，特别舒服。

作为一个大宝粉看完最想做的事就是把每首对应的歌曲找出来。

翻了网易云和虾米貌似OST里也没有详细记录每份的（可能因为有几处实在是特别短）。

于是自己又走了两遍，找到了部分出处。

有遗漏的欢迎补充。

9'38" Ziggy Stardust 《The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars》1972 黑人小哥第一次弹唱12'28" Life on Mars ? 《Hunky Dory》1971 这里是船长和儿子初次相遇时用的大宝原声。

14‘52“ Changes 《Hunky Dory》1971 这段特别短听了好几遍，唱了一句，对应原来歌里面 Ch-ch-Changes 那句歌词。

19’12“ Rebel Rebel 《Diamond Dogs》1974 这首黑人小哥改的特舒服，比较温柔。

32‘23“ Lady Stardust 《The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars》1972 这段也特别短，大概弹了几秒的前奏，但Lady Stardust的前奏辨识度比较高。

40’32“ Rock 'N' Roll Suicide 《The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars》58‘42“ Space Oddity 《Space Oddity》1969 这里很有意思，原来歌里面有火箭倒数，小哥还是用的英文唱出了倒数，然后数完海盗随即登船。

1:03'45" Search and Destroy 这里比尔莫瑞单挑海盗的时候用了IGGY的歌，很燃。

当然毕竟大家都知道IGGY和大宝有故事。

1:23'53" Life on Mars ? 《Hunky Dory》1971 这次用了小哥翻唱版的Life on mars。

1:41‘25“ When I live my dream 《David Bowie》1967 大宝的首专，Ned遗体告别之后小哥唱的，略带伤感。

1:51'35" Queen Bitch 《Hunky Dory》1971 这里先是用的大宝原版，然后用了黑人小哥弹唱版结尾，韦斯安德森是大宝真粉呀！

Songs by David Bowie

　　“如何认出一部韦斯·安德森电影？

”这问题就像韦斯的电影一样透着冷幽默，令明白人狡猾而意味深长地一笑：“你懂的。

”韦斯凭借他独树一帜的鲜明风格，从浩如烟海的独立电影界脱颖而出，从《天才一族》（2001年）获得第74届奥斯卡金像奖最佳原创剧本提名以来，渐渐受到主流肯定和欢迎，每拍一部新片，都会提名此等级别的主流电影大奖。

如今口味复古的韦斯又把新片《布达佩斯大饭店》送进了第64届柏林国际电影节，这次的故事发生在20世纪30年代到60年代的欧洲，酒店礼宾员与他的小门生应是主角，视点似乎较过去的作品更广阔，光演员阵容就吓死人。

　　诚然，韦斯的电影从来不缺明星，不过当欧文·威尔逊与韦斯拍第一部13分钟黑白短片《瓶装火箭》（1994年）时，没人会预料到威尔逊家三兄弟尤其是欧文的星途如此灿烂。

当年他和欧文这对好哥们，看罢Barry Braverman记录父亲Murray Braverman一天平淡生活的记录短片《Murita Cycles》，就像韦斯电影里那些随性人物那样，兴致大发就操家伙做起电影来，从此一个导演，一个主演，两人共同编剧，从《瓶装火箭》（1994年）、长片《瓶装火箭》（1996年）、《青春年少》（1998年）到《天才一族》（2001年），手牵手走向红红火火的电影新世纪，还一并带上从《青春年少》开始挑大梁的御用詹森·舒瓦兹曼和比尔·默瑞……　　越来越以色彩为视觉风格特征的韦斯，处女作怎么会拍成黑白的？

当我们发现韦斯喜欢今村昌平、路易斯·布努埃尔、马克斯·奥菲尔斯、罗伯特·布列松这些黑白大师的经典作品，就不会奇怪了，这位电影后生的基本素质是过硬的。

从2001年的《天才一族》开始，韦斯的电影渐渐以黄色为基本色调——当然，彩色加长版《瓶装火箭》里大家也穿着莫名其妙的黄色跳伞服——而他的人物经常穿红毛衣或者戴小红帽只会显得黄色更黄了。

　　身穿黄色跳伞服去打劫的年轻人，是大人还是小孩呢？

是荒诞可笑还是童心未泯呢？

韦斯这些似乎可能在现实生活中存在的人，做着在现实中似乎不可能的事，刚刚才开始发育的小男孩小女孩可以谋划私奔甚至举行婚礼（2012年大热的《月升王国》），无法生育、资金短缺的海洋探险家突然从天而降一个能资助他探险的三十岁儿子（2004年的《海海人生》），十五岁少年和中年老富商成忘年交又因爱慕同一女子而结仇（《青春年少》）……韦斯的世界里，不是长不大的中年男人，就是急着长大的少年，总体看着就像一帮不安分的小狐狸，伴随他们的是坚若磐石的女性——在2009年最受欢迎的动画《了不起的狐狸爸爸》里，不甘心平淡生活、重返偷鸡摸狗业的老狐狸，带上文武全能泡妞好手狐狸外甥搞得天下大乱……到最后，这些人要要么归回兄弟情深，要么拥抱家庭温暖，多么像养尊处优却时常做做冒险白日梦的中产阶级大小孩儿们？

他们说得一口妙语连珠的俏皮鬼话，就是剧中人被他们折腾得丢饭碗，丢家产，丢宠物，依然对他们恨不起来，不知这些“被爱着的受害者”是否也像观众一样看穿了这些折腾货缺失父爱的受伤心灵和急于获得关注的缺爱心理？

所以他们也只好苦涩而意味深长地一笑了之——男人，永远都是小孩子。

也正是这种正能平衡状态，使韦斯的电影散发出乐观积极的气息，更别说冷幽默了。

　　不只台词和人物有冷幽默感，韦斯精妙的场面调度也有狡猾的幽默效果。

比如《海海人生》里因丈夫要用“新儿子”的钱出海而气走的妻子，听到丈夫的一声“糖蟹回来了”，重新回到镜头里，接着其他人也进镜头，这时镜头才转向两只糖蟹，丈夫质疑妻子“他们是在交配？

”镜头又转向糖蟹，我们看到它们确实在交配……在《穿越大吉岭》中也有不少类似把剧中人的关注视点滞后展现给观众的设计，这多少有点“看热闹”的儿童心态，事情再糟糕，他们的注意力也能被新奇好玩的事物瞬间吸引住。

也许正因为韦斯有颗童心，才能把《月升王国》这部“儿童片”拍得有声有色：男孩把在童子军学会的一切技能用于私奔旅程，同时以此向女孩显摆他的“成熟”，他教女孩在嘴里含鹅卵石解渴，镜头背景是哗哗直流的溪水，内涵实在不需多言。

另外，他用平面构图拍隔离空间的方式已然风格化，您若看过《月升王国》及《天才一族》的开头、《海海人生》介绍船内结构的环节、《穿越大吉岭》从窗外拍火车各车厢内部等等，自然印象深刻，会赞叹韦斯是个聪明人。

如果说这算刻意设计，韦斯还有很多貌似无厘头自然发展的桥段，比如《海海人生》里，探险家向女记者展现会用天线接收音乐的头盔，音乐一出现，他穿着潜水服的肥硕身体立刻开始持续自然摇摆，其他人继续自顾自忙事，女记者继续举话筒……噗，韦斯电影里神经大条的老男孩又出现了。

　　说到音乐，生于60年代末的韦斯，显然沾了点那个年代的仙气，每部电影都得用好些60、70年代老摇滚，《穿越大吉岭》爱用The Kinks，《天才一族》爱用The Velvet Underground以及裙带关系Nico——当弟弟重逢他暗恋多年的收养姐姐，她款款走来，立刻响起Nico的歌声，观众立刻明白这位高挑、金发、抽烟、化烟熏妆的叛逆姐姐，正是Nico的翻版，其经历也同样放荡不羁，歌曲就像中国古典小说里插入的诗句，与本体交相辉映。

没错，韦斯不会随便滥用一首歌，《海海人生》里从头到尾的David Bowie歌曲，也是时刻跟紧剧情。

剧中有位黑人水手，专门用法语翻唱他的歌曲，尤其是他以“Ziggy Stardust”这位虚拟火星明星为主题写的歌曲。

前文说的“糖蟹事件”发生时，小黑人唱起“Rock ‘n’ Roll Suicide”，探险家目送妻子乘私人飞机飞走，他岂不是歌词里“老迈到输不起，年轻到没选择”、大红大紫后又落入低谷的摇滚孤客？

当陌生儿子从天而降，他怀着复杂纠结的心情独自登上船头抽根烟，响起David Bowie那首“Life On Mars?”，这首歌在悲叹整个世界崩坏了我能去火星吗，多么应景，而这首歌再次由小黑人唱起的那刻，是探险家妻子谈起其夫似乎不能生育，“有没有火星上的生活？

”这自问自答的歌词似乎推动了故事的荒谬感或者超现实感……您看得越仔细，越能捕捉到韦斯精心策划的包袱。

　　如果您还不知道如何回答开头那个问题，那么您可以问问影迷，谁的电影最会卖萌，或许他会说：“那一定是韦斯·安德森！

”本文发表于2014年3月初的《周末画报》之iweekly，写作过程非常感谢七七和九间两位姑娘，没有你们，我进入不了韦斯的世界。

当然，还要感谢最重要的Echo！

---公众号：树屋钓月亮

其实是一部没什么意思的片子，在情节的简单构筑之上，散落一些冷幽默的线路之间，任由一种情绪氤氲而已。

比尔莫瑞倒是很适合如此感觉的东西，感觉上有点科恩兄弟的意思，但又严重的缺乏力量感，而其着力表达的随意其实也很刻意，总之，有点对不起时间。

当我童年的时候，我也总是想：why dont u stay with me，dad？

一段又一段的旅程，当我们越是接近目标越是发现目标本身早已失去了他的意义，那些我们一同经历的才是真正的旅行的意义。

海报恰如其分地表现了电影要描述的感觉，一种动画式的故事，混淆了现实和虚构。

故事是比较碎片的，像一个5集的20分钟动画，可能不是剧情爱好者的菜。

用了非常多的经典音乐，44分钟出现Here’s to you着实激动了半天。

超爱的曲。

于是把那段反复看了一下。

几乎每个人都能从里面找到听过的、喜欢的歌曲。

总体而言是个喜剧结尾的故事，虽然有失去船员，（那个打电话的Flag竖得太高），但最终还是见到了那条鲨鱼。

关于理想和追求233。

画面上：1、反复出现各种动物，真实的、虚构的。

珍妮和船长谈话时，一只猫蹲在操作台上；去废弃的酒店救人时，窗台出现了一条蟒蛇，在和沙滩上的菲律宾海盗战斗时，一条黄金蟒就在镜头处。

很有趣的是，船长去找Eleanor时，他们在豪宅里谈话，桌子上放的、后面作为背景的植物都是兰科的。

这里的气氛被衬托得很有意思。

海洋生物是制作而出的，从发光的水母到发光的虎鲨，从色彩鲜艳的海马到海洋里长得酷似爬行动物的“鱼”。

还有一种有趣的鱼，它像昆虫吸食花粉一样凑近海葵花状的海洋植物。

这种有真有假的植物，让整个电影看上去既虚幻又现实。

虚幻一下，就会拉回现实，现实一下，重新把你踹回虚幻。

反复如此之后，还是会在Ned死时拉回现实。

2、搭建场景。

船是完成搭建出来的，它有三四层那么高，这使得镜头从一个房间移向另外一个房间不仅仅可以平移，还能够上下移动，让空间感非常立体。

这点很棒。

3、高饱和的色彩。

没有布达佩斯那么绚丽的色彩。

在蓝色的大海、蓝灰色的潜水服、蓝白条纹的睡衣所定下的比较冷静的色调里，添加了高饱和的其他物品以突破这种视觉感。

比如说红色的帽子，它实在是太可爱了！

4、前后景。

就算前景的人占据了整个画面，导演还是要偏执地在后景里制造活动的故事。

该吃药啦导演！

这种后景有时候是动物，有时候是人。

特别明显地表现这一点的是：船长去找Eleanor时，他们站在面朝大海的阳台上聊天，很远的地方的阳台上，那个长发裸上身的汉子在那儿浇花还是干什么，不断地动来动去。

你已经虚到不能再虚啦，小到不能再小啦亲。

5、细节。

很赞的字体。

在沉闷的画面里加上小东西，比如说Ned死后，船长和珍妮谈话，后面放的很小的玩具。

摄影师导演君的色彩感真的真的，很赞。

生活是深海里的美洲鲨，虽然他吞噬了你的老友，害死了你至爱的儿子，让你本就颓丧的生活更加无序混乱，但你依然会为了它开着玩具式样的黄色潜水艇，穿梭于瑰丽鱼群，穿越整个海洋，穿透深海的黑暗，在他漆黑如夜的皮肤上，在他耀眼如光的斑纹里泪流满面的说着：“他很美，对不对？

”

看似残败却充满希望，深陷迷茫却继续向前，身处混乱却依然专注。

韦斯总能把那种执拗的盲目，颓丧的迷茫，荒芜中的温情用一种荒诞却纯真的视角呈现出来。

那是一种支离破碎之后，重新拼凑自己继续面对下一次破碎的勇气。

是一种带着哀伤的乐观，就像是浅蓝水手服配着的那顶红帽子。

轻浅的大面积忧郁里的一团火，那是希望的颜色。

韦斯的电影总是带着无法弥合遗憾。

《水中生活》中父亲刚刚展露出的温情成为儿子逝去的前奏；《天才一家》中刚刚缓和的父子关系，被父亲突如其来的心梗终结；《穿越大吉岭》三个终于见到母亲的孩子于沉默中刚刚透出的谅解在母亲的逃走里结束；《布达佩斯大饭店》里古斯塔夫草率的死亡。

总是还没来得及去弥补去原谅，死亡就突如其来的到来。

悲伤却是韦斯电影里的留白，仿佛还未来及好好哭泣，生活便以更加不容拒绝的庞大身姿压迫你，拖拽你继续前行。

虽然，你根本无法预知，这盲目执拗的前行，这破碎的灵魂，这未来及好好表达就草草结束的爱所走到的最终章，是不是就是你心中的答案。

仿佛一切都只是在路上，在海中，在行使，在寻找，没有答案就是最后的答案，没有结果就是最好的结果。

父子关系中的父位缺失一直是韦斯的主题。

总有长不大的混蛋老头和急于长大的别扭儿子身影。

《水中生活》中是前来寻找父亲的疑似儿子尼德（影片中的老爸已经失去生育能力了），他11岁便给父亲写信，把全部遗产捐出来支持父亲的梦想，接受不喜欢的名字，帮父亲把丢掉的耳环捡回来，屡屡推迟会军队的命令，在父亲犹豫迟疑的时候为他鼓劲，让他重振希望。

只是为了确定，确定他也不确定的爱。

确定他也不确定的关注。

寻找一个温情的梦。

他的爱纯洁而赤诚，所以值得韦斯把他撞碎，让那种悲伤的乐观氛围蒸腾起来。

而我相信这是韦斯的灵魂底色，一种近乎自虐的调调，一种孤独不得圆满的宿命悲伤。

当bill在掌声雷动的演艺厅外默默的抽烟时，无人在乎他人生中的遗憾，孤寂，疏离。

只有孩童般纯真的眼睛陪伴着他。

11岁，对世界充满好奇还来不及懂得悲伤的年纪。

是可以承担的起英雄的戒指，却不会惧怕承担起英雄责任的年纪。

是游弋在透明色的塑料袋，而未曾见过深爱的年纪。

是所有的人，最好的年纪。

所以bill抗起了11岁的少年，穿过人海，穿过鲜花，掌声，聚光灯，走向港口与大海。

仿佛成为了那个少年一般，继续向前，勇敢无畏不知悲伤。

他扛着那个少年，如同抗起了粉红色的希望。

在我概念中CC只会出那种年纪在二十年以上沉闷晦涩的电影教材，没想到会选到这样一部风格幽默色调明亮的片子。

一向很景仰纪录片的拍摄者，他们既要保证最真实的记录，又要倾注入自己的情感进行剪辑取舍，而且他们亲历自然界的神秘瑰丽要比造一个子虚乌有的魔幻宫殿要付出更多的意想不到的努力。

不过本片似乎并没有在电影工作者的工作经历方面作很大的文章，更多的是表达他们作为普通人所拥有的情感，在不同寻常的寻梦体验之后深藏的忧伤孤寂，在一次次用风趣冲淡挫折和苦痛后所体味到言外的感慨沧桑。

斯蒂芬的私生子很可能是假冒的，但那又如何呢？

我们在乎的只是他们早年在互通书信时通过梦想的神交，和在共同度过的海上遨游经历中所建立的胜似血缘的亲情，那样善意的谎言又何忍拆穿呢？

一开始他去寻找美洲虎鲨只是为了给好友复仇，但在他们历经千辛万苦终于看见那斑斓艳丽的庞大生物时，什么血海深仇都已经不重要了，重要的只是我们能够相信，在品尽甘辛付尽悲喜之后，终究会发现那惊人的美丽——所有的一切都是值得的。

影片中科考船的外型和整体设备都参考了卡里普索号。

在原有的基础上加大了潜水艇，做了梦幻化的改造。

船长的造型参考了原船船长库斯托，考虑到圆形小红帽的话。

并且这位雅克·库斯托也亲自充当过电影制片人，介绍他的探险经历。

所拍摄的《深海的静谧》获得过戛纳金棕榈奖，1964年，《没有阳光的世界》又获得了奥斯卡最佳纪录片。

图片来源于《从海底到太空图解著名运载工具》