艺术家

就让我厚古薄今一次吧。

片子开始的时候放映厅里的观众除了我们都是45+的中老年人NZ这边中老年人似乎一直活在上个世纪，哪怕是看周二晚饭时段的特价场，也会西装领带收拾地整整齐齐，一如荧幕上的1927年。

那个时代的电影院还带有太多剧院时代的影子，观众们考究的着装和那些潜移默化的礼节使得整个电影院更像是社交场的一部分，而如今的电影，很多时候是性*交场的一部分。

这部片子一定要到影院去看，如果影院够好的话开场时片子里交响乐队在银幕前演奏的场景会和现实融为一体，直接拉着你的感官穿越回那个年代。

我一直在想或许这部片子在胶片上做一些lo-fi的处理或许会把对默片时代的复古和致敬做的更完美？

默片的美有很大一部分恰恰在于它的瑕疵，它的不完美，那是胶片上的划痕在充斥着噪点的荧幕上如雷电般一闪而过，是留声机唱针上滚出的严重失真却能让人记忆数十年的一段小提琴协奏，是女主角嘴角的一颗美人痣，是插入画面里的字幕对白，是这些不完美中的完美让早已经宣告死亡的默片在一代代人的审美中得以延续，已然跨越了百年。

整部片子对默片的致敬体现在无数细微处，比如那些近景中总是留的太多的headroom，频繁的introcutting，能省则省几乎少见的zoom in和zoom out,甚少存在的特效，甚至胶片里那一抹抹时明时暗的旧黄色，男猪自杀时切入字幕“bang”时的老式幽默和幽默范儿。

具体的不想描述太多，毕竟电影是给荧幕而不是文字的。

Jean Dujardin的演技无可厚非，喜剧舞台出身的他对近百年前默片男猪脚们夸张诙谐，不用出声仅用一眸一笑皆能让男观众点头微笑女观众销魂湿身的演技的模仿几近完美。

那个年代的男演员都有他那样一张老派却又英气十足的容貌，和一个撇嘴微笑就能勾人魂魄的丰富表情，这些是如今好莱坞主流审美的那些被肉毒杆菌僵死了的娘气脸们所无法比拟的。

豆瓣没有半分这事的确是个问题，因为我本因为女主想打4星半的，但是最终还是给了5分。

之前说过了，默片最美好的恰恰是其不完美，Bérénice Bejo就是这部片子里的不完美因素。

她的脸太现代了，走姿舞姿和说话的表情里我们这个年代姑娘们才有的那些感觉太根深蒂固，只有一些半静态的特写才真正有默片时代女猪脚们的神韵和气场，不过这不怪她，毕竟没有人能完美的复制过去。

说起来整个黑白时代的女明星其实都和当今截然不同，过去的女明星大多是让你一眼看过去就想爱上她，现在的女明星们，大多数让你一眼看过去就想上她。

直白的说就是灵与肉的区别，虽然每个时代的女明星都有着不清不白的背景，但总感觉过去的那些美好的姑娘们是用灵魂在演戏，现在这些美好的姑娘们，有太多是用脸用凶器甚至阴道在演戏吧？

结局时全如意料，交响乐构筑的无声世界终于被各种各样的声音所充满，随着导演的一声action，默片时代正式结束，全新时代的胶片开始在摄像机里徐徐滚动。

豆瓣上很多人指责结局太平庸太理想化，可那个时代的电影就是这个样子，还没有由新浪潮带起的那些晦涩到甚至难以称得上是结局的结局，也没有如盗梦空间般在结尾留个开放时结局让豆瓣和时光一上众文艺青年绞尽脑汁设法考据继而互喷互骂知直到一炮免恩仇的习惯，更没有残酷青春片中最后时刻想方设法硬搞死主角以便让小清新们发文追悼缅怀感受的恶趣味。

那个年代大多数片子就是那样，到最后男欢女爱一吻定情携手香闺，告别低谷和磨难走向淫生全新的高峰。

人生已经够苦逼的了，花钱去看电影何苦还非要看一个苦逼的结局呢？

但是我想得最多的却是另外一个问题。

默片终究被有声片掩埋在历史中，黑白电影也被彩色所替代。

胶片盘被数字硬盘杀死，录影带和VCD终究熬不过DVD，而后者已经被蓝光手中的利刃抵在喉头。

我们这个时代的电影也被太多的特效特技，345678D所覆盖，自看阿凡达起我就在想，会不会有一天，所有的场景角色都会被数字1和0所替代，不再有演员，甚至不再有摄像机，所有带着人味儿的东西都被数字合成所取代，电影人不再是artist而是technologist，电影作为艺术的存在或许终究会被大工业时代所抹杀吧？

至少peter jackson和他的weta已经开始在下这很大的一步棋了。

P.S.尽管人在NZ，我们明年的指导教师恰好是指环王的摄影师，这么说颇有几分欺师灭祖的味道...但如果真的有一天全世界都充斥了Peter Jackson那样只有匠气没有内涵的电影们，我们还是做个有尊严的artist,和我们爱的那项艺术一起自杀吧。

无声有声大变革为背景的爱情佳作。

怀旧。

对，黑白默片。

爵士配乐，歌舞风情都为影片增色很多。

音乐敲到好处，在这个人们已经静不下来欣赏”挤眉弄眼“时，强烈的旋律和多样的变化，强烈的迎合情节，喜欢听音乐的朋友看片肯定会很兴奋的。

歌舞也对演员提出了很高的要求。

因为看歌舞青春大热，就知道，要想复制雨中曲的舞步已经不太现实，但本片真的做到了。

特别是男主，拿奖也就水到渠成了。

真的，艺术家的表演绝对口吃的国王好看。

强烈推荐。

不做影評，只談個人感受。

看完片我得到了兩個詞，一個是“情懷”，一個是“懷舊”。

所有的藝術工種都是需要強大的心靈支撐的，不只是耐得住寂寞和與時俱進，是keep walking；更不是孤芳和沉溺，是面對質疑和衝擊的堅韌和泰然。

感同身受是一個很客氣的詞，happy ending是普羅大眾的美好嚮往，如果是真的，多半的人還是選擇吞槍自盡的，如果人人是勇者，那就不存在掌聲這回事了。

散場后，大半的觀眾還留在座位上。

有感動，但不是因為感動，懷舊跟感動是兩碼事。

懷舊是形式，而感動是內心的。

懷舊是現在過去式，是一種心靈告慰，是對過往美好的留戀，而當時，我們並不感動。

這種情緒需要出口，需要被表達，甚至宣洩，但不是消費和重塑。

就觀感而言，敘事簡單完整，畫面精准流暢，音樂恰到好處有感染力……原因很簡單，複刻經典終不會讓你失分，通篇的致敬情懷猶如一曲經典串燒，看著過癮，卻留不下絲毫。

告慰經典並不能使其成為經典，百分之百的高仿，終究不是真品。

我們喜歡舊貨和有時光洗刷痕跡的老東西，是它給我們留下的回憶和共同經歷，而絕不單單只是樣子本身。

討巧的原因是杜雅爾丹說的“與眾不同”，跟我們現在看到的大多數影片不同，至少是形式上的不同。

這一度讓我想起了《阿凡達》，而《阿凡達》是向前看，《The Artist》卻帶不來那樣的工業進步。

今天看完the Artist，深深被震撼了，甚至这学期的final project我也想用4：3的ratio降格拍一个黑白默片，不是为了追随所谓的复古潮流，而是今天我才发现原来默片才是更接近电影本质的形式，今天我才理解为什么当初有声电影出现的时候，那么多老一辈的电影艺术家站出来反对，包括卓别林在内。

去看the Artist之前，看过的同学“告诫”我这部电影必须要在精神很好的时候才能去看，否则铁定睡着，因为它是一部默片，而且是黑白的，而且而且是4：3的！

事实是，尽管我很困（昨晚只睡了4个小时），但我还是非常精神地把电影看完了，而且很享受这个过程。

我现在就可以断言the Artist绝对是我本年度最爱的电影前三名！

the Artist在画面上完全模仿上世纪20年代默片的拍摄手法。

默片不仅仅是无声、黑白，还有一个显著的特征就是过去的黑白片是18fps，即每秒18格。

现在的电影都是24fps,这两者的区别在于前者由于每秒钟记录下的动作画面比较少，因此连续播放时肉眼可以察觉到明显的动作不连贯。

我个人认为，正因为过去的电影都是以18fps的格式拍的，因此演员的动作总是给人一种滑稽的感觉，所以默片更适合表现喜剧。

the Artist就是一个爱情轻喜剧，其实故事特别简单，也有些滥俗。

但是，它非常成功的地方在于演员的表演简直可以用“出神入化”来形容。

试想一下，一部没有声音的电影，剧情完全靠演员的肢体动作和眼神表达，真的很少有演员可以做到。

所以，我觉得默片时代才是出巨星的时代。

the Artist虽说是默片，但它也不是完全没有声音。

影片中有两处加入了声音，而这两处简直就是神来之笔，没有这两处细节处理，这部电影也不会如此备受推崇。

第一处是录音技术刚刚被运用到电影中时，Jean Dujardin饰演的默片时代大明星George认为这是可笑的，他坚决反对。

但是，当他回到化妆间，他放下一个杯子，突然意识到这个动作本身是有声音的，进而他意识到他所生活的这个世界所有的一切都是有声音的。

第二处是影片的结尾处George终于放下对有声电影的成见接受Miller的帮助，和她一起出演有声电影。

在两人的一段精彩绝伦的踢踏舞表演之后，producer高喊一句“perfect”。

歌舞片时代就此来临了。

这部电影的ending是固执己见的默片巨星最后终于接受了电影的新形式，还开创了新的电影类型，而这部电影比较吊詭的一点在于是它让我认识到什么是最纯粹的电影。

当然我不是说技术的发展破坏了电影的本性，我承认没有技术作为支撑那些天马行空的想法根本就不可能变成展现在观众眼前的真实，只是我不得不感叹随着技术的发展观众变得只满足于感官刺激而不再关注电影的艺术性，比如说现在的3D潮流，往往在电影院里面观众看得很过瘾，走出电影院却记不起故事情节，更不要提被电影打动了。

或许我本质上还是很traditional的吧，我推崇的也大都是学院派导演，在电影学院学的也是最classical的film technic.课上时常都有同学去挑战那些classical的电影理论，和老师争执不下。

我却觉得，无论那些理论你认同与否，或者在今天看来根本就已经old-fashioned，但是对于一个导演而言打破传统的前提首先是你要懂得这些理论，否则永远都只能是一个业余导演。

打着个回归默片时代的招牌，其实不伦不类赞同别人的看法，形式大于内容演员演技一般，剧情也没什么新意看得人睡着无数次是我肤浅呢，还是奥斯卡评委太过追求小资了

据说今年是个穿越很流行的年份，也有这么部影片穿过历史的尘埃，让默片这个近乎失落的手艺再次进入人们的视野中。

对于大多数人而言，属于默片的印象可能都停留在卓别林的喜剧，仅靠夸张的肢体语言以及丰富多变的面部表情，无需大量的对白就足以让人们毫不费力的融入期间，感知到影片的弦外之音。

在时光逝去近百年后，电影也早已不局限于皮影戏般的表现形式，经历了从无声到有声的蜕变，一部《天神下凡》更是掀起了又一次的技术革命，但纵使时代更替，人们依然喜欢念旧怀古，会停下匆匆前行的脚步，细细品味那些被时间封存了许久的记忆。

所以《艺术家》的出现从某种程度上弥补了人们的这种恋旧情节，其从戛纳的备受亲睐到好莱坞的极力追捧就可窥见一斑。

影片完全采用了传统好莱坞的叙事手法，利用简单的画面、简洁的字幕、生动的音乐，精心构筑电影这一门艺术的同时也在向默片时代致敬。

于有声时代拍一部默片，就好比今人绞尽脑汁填一阙古词，不是不可，却万难有昔人的韵致。

无论是那个年代流行的片头还是大萧条时代亲民的爱情喜剧模式，抑或是那些经典的画面转接，都看得出导演在复制早期电影的视觉效果上破费心思，甚至让胶片的转速从每秒24格降到了16格，一切的努力都是为了力求高度的仿真。

George和妻子吃早餐一场戏的蒙太奇场景，则是明显效仿了奥逊•威尔斯的《公民凯恩》。

事实上，就连故事线也是好莱坞影史上屡次被翻拍的《一个明星的诞生》和著名的《日落大道》的混合体。

但《艺术家》并不是一个忠实的默片的复制品，拍摄的机位选取并没有沿袭默片的走位，大量的音乐被铺设在音轨上（当然了现代电影院是没法放置一个小型交响乐团现场伴奏的），同时在个别段落也实验性的加入了环境音、动作音甚至台词，这样做的目的是便于观众产生更多的共鸣。

因此它更像一部用现代工艺再造还原的经典老爷车，可这些看似的“瑕疵”丝毫不会影响它成为怀旧者的心头之爱。

因为默片的缘故，演员的表演很大程度上决定了影片的成功与否，因此电影收获的热烈掌声也与表演部分的出彩密不可分。

故事中的默片明星乔治瓦伦丁虽然不是一个性格复杂的角色，但他却是一个前后心理落差极大的人物，在全无对白支撑的前提下，让•杜雅尔丹不仅将乔治在事业巅峰时的得意乃至自负表现的淋漓尽致，而且更是把他一落千丈后的失魂落魄跃然于荧幕之上。

让 杜雅尔丹那个略显滑稽的笑容同样有着迷人之处，也能让人们透过此看到其可爱的一面。

虽然导演大多数时间表达着对默片的敬意，但也没有回避它被最终替代的残酷现实，那个在楼梯相遇的桥段中，两人的相背而行就暗喻着无声片的落寞与有声片的辉煌。

话语即权力。

有声电影和无声电影的分道扬镳，不只是在于剧中人物是否有一个“说”的表达，而非字幕的连番补白，更在于掌握话语的一方拥有话语权，话语不再是语言中的一个概念，而是权力的组成部分。

在默片世界中，男主角乔治的肢体表演占据绝大部分观赏空间，身体是权力的符号，支配观众的凝视，然而对人类交流上最直接的话语表达方式，却失去控制。

关于说与不说，乔治在同世人抗争的过程中失去了几乎一切，唯有那只灵动但无法开口讲话的小狗始终伴其左右，只因他对说话那近乎病态的恐惧和不屑。

在乔治行将自杀时，砰的一声，观众都以为是开枪自杀的声音，却是佩妮的汽车撞到树上发出的声音，尽管乔治至死也不相信有声电影的魅力，但是正是这砰的一声，救下乔治的性命。

电影终究是美好单纯的，给了乔治人生中又一个腾飞的跳板，可现实中，又有多少对于无声形式坚持不渝的巨星因为难以企口而陨落。

而导演让乔治的声音留在了那声cut之外，也将这最后一块默片的“遮羞布”保留了下来，影片如果诞生在相应的时代，也应该会成为一部经典，更何况它诞生在如此浮躁的现在，堪称荡气回肠，不知要看过多少尘封的老电影才能把那些精华信手拈来？

是最精致的模仿，也是心有灵犀的超越。

任何影片都无法达到完美，难以讨好所有人，它更像落在胶片上的回忆，让人们能于光影间看到电影一路走来的点滴和曲折就已足够了。

看到《艺术家》（The Artist）演员名单上的让.杜雅赫丹（Jean Dujardin），我着实吃了一惊，这也是最终促使我赶了一趟周末夜场的原因。

我想看看“花园里的”让究竟有何种能耐，摘了戛纳又摘金球，现在还提名了奥斯卡。

印象里和花园（Jardin）沾边的人物往往诗意翩翩而不贴实际，电影《芳芳》（Fanfan）、《怪胎》（Le Zèbre）后面就矗立着一座，亚历山德雷.雅赫丹（Alexandré Jardin），他的文字不是不好，但总是哪里隔一层，以至于电影也是，好像还悠着一口气高潮就混过去了。

他的文坛地位我不了解，但于我呢，他就适合小小人群偶然欣赏。

让.杜雅赫丹这个演员，之前我一直和丑角、谐星划等号。

最有名肥皂喜剧《男孩与女孩》（Un Gars et Une Fille），充斥着细碎黏糊，过度夸张的笑料，他和他太太的扮相、妆容也十分惊悚，法国人虽然纯天然地歇斯底里，但我对他的接受力很有限，更喜欢老辈，如棕肤潮人那一拨。

再就是在无数场合看到这颗事实上五官深刻、可以称得上英俊的怪味豆，明明很有型，却永远安定不了眉眼，我捉摸不透他要表现的性情，观感跟着过山车，委实谈不上舒适。

法国虽然丑男当道，男女失衡，我却从来没有为帅哥杜雅赫丹抱有一丝幻想。

而第一眼看《艺术家》的海报，我曾想这不是肖恩.康纳利年轻的时候吗。

影片中间，他的侧脸无数次让我想到罗伯特.泰勒，更不用说那道克拉克.盖博式的微笑弧度了。

至少从造型上，他稳健、含敛了许多，嬉皮喧闹烟消云散，定下来，帮你聚拢，然后发散到他周身，专注他的演出。

杜雅赫丹演了一位如日方中的默片大明星从尖峰滚入谷底，又不尽然地缓缓拾起自己。

故事其实很单线，会怎么走向，人物会跌得多惨，观者一目了然，掺入的扰动元素，是爱情。

与明星桃花春风、眉眼情牵的正是他的忠实粉丝，另重身份，则是拼力追赶他的强劲后生，更了不得，她说话，而他拒绝说话，她顺应时代，而他顽固得要死。

爱情的绳索，时而挽留着他颓败的江山，时而重拳出击，伤透他的自尊心，把他逼入死角。

原本程式化的人生必经路，因此走得留情，拖沓，复杂。

电影抽析的元素呢，是人声。

杜雅赫丹无言地饰演乔治.瓦伦汀（George Valentin），乔治进而无言地展现银屏上各路好汉。

这双重的无言里，后者似乎更倚重传统的杜雅赫丹，他的喜剧功力释放无余，你会觉得他多么轻松自如、愉悦优雅地抖包袱，无论挑眉，轻笑，还是展臂，猿身，或者风流倜傥的舞步。

他的乔治呢，则更符合现在观众对“自然”的要求，虽然轻度笑场，仍然是他的拿手好戏。

这个人物被他阐释得非常立体，甚至当他一步步坠落时，我会以为他一步步升华了，顺风顺水的时尚宠儿与生活磨难千锤百炼的小市民，如此巨大落差，如此辛苦调适，都在他的制动范围内，而且他不得发声，却轻易牵动观众的笑容和泪点。

他的乔治最最颓丧受伤、几无生意的时刻，我由衷赞叹，杜雅赫丹多么投入多么稳啊，那一刻我感谢老天让我见过《男孩与女孩》里的他，感谢他不曾稍离地努力着，我为乔治难过的同时，也在惊艳花园让的感染力，一边坠落一边涌起，好像形成波峰波谷抵消的直线，可是在心底，则是双向感觉的扩大，互为撞击。

电影的初本形态，我是罕有观看经验的。

应该说一开始有点被迫，不住地追问，就这样无声到底吗？

直至末梢听乔治法音极重的一句‘With pleasure’，仿佛云开月明，松了一口气之余，竟又有点怀念云霭尘霜、无法张扬的沉默了。

大概我有惯性的强迫症吧，不过，不容忽视的是，无声的时候，你才意识到有声的可贵。

比如单打独斗的乐声，它们的急缓沉扬叙述着故事，你会竖起耳朵去捕捉它们的情绪，又如慢一拍黑屏上的字幕，休止后浮现，拉扯你的好奇心然后填满，比之同声同气，增添了多少曲折呢，原来每个音节每句话的分量，是很重的呀。

然而在我们熟悉的视听嘈杂的电影环境，这些我们最依赖的，显然最被轻怠，于是诚意笑容便需要极高的技术伺应，绝不至于这么朴拙而宽容。

从无声到有声，《艺术家》似乎也在告诉观者，你们也走过一个完整的有得有失的零和过渡。

电影模拟人生，人一开始是不会说话的，人的爱情也鲜有轰轰烈烈开场的。

尽管这部戏的爱情和事业撞车，于无声处的爱情，却似乎更润泽千愁，悠心难忘，同时，稀释其余生存苦难的能量更强大。

不得不再表扬一下杜雅赫丹，初遇时电眼和怦动，化妆间里了然、跃然、微失落，真相后苦笑、不堪，新影吃瘪对佳人漠然、冷嘲，看她的对垒戏是叹笑、自嘲，自尊心被撕裂急怒攻心而强自镇定，等等等等，这一切幽微变幻，他都不温不烫表达出来，唯其静默，气场贯彻，尤其悬在人心上。

从无声爱慕到有声伴侣，从至少我这样观者的视线盲区到国际大舞台，我很感激没有放弃的让.杜雅赫丹，真为他高兴。

今年的奥斯卡季有趣儿，竟有两部拼着比着向电影史致敬的作品。

好莱坞的老马丁（Martin Scorsese）用《雨果》（Hugo）向法国先驱电影艺术家乔治•梅里埃（George Méliès）致敬；法国导演迈克尔•哈扎纳维希乌斯（Michel Hazanavicius）则用《艺术家》（The Artist）向好莱坞片场与默片时代致敬。

这敬来敬去的，怎么也有一部该投奥斯卡的胃口，难怪双双提名。

我不喜欢《雨果》，因为它除了强大的技术效果和致敬心态外，在电影故事的构建与完成上却十分粗糙。

《艺术家》除了采取默片的视觉表现方式独树一帜外，情节本身说来也乏善可陈，但与《雨果》不同的是它在小细节小桥段上的巧思妙想，种种视觉小品时常看得人会心一笑。

比如仰慕默片明星乔治•瓦伦丁的女演员佩皮偷偷潜入乔治化妆室一节，佩皮抱着乔治挂在衣帽架上的西装外套花痴万分，干脆把一条胳膊伸进袖管假扮乔治抱住自己，左挑右逗，女丑形态毕露，引得全场哈哈大笑。

当然电影安排最巧妙的还是对声音的处理。

《艺术家》采取默片手法，除了背景音乐并无他音效。

但当默片明星乔治看不明影史的发展趋势落得末路潦倒时，苦闷中发梦，竟然声效突现，钟声、铃声、车声、人声、狗叫声，可就是没有乔治自己的声音。

乔治与妻子不合，所争执的关键问题就是乔治不肯同她讲话——这里“讲话”是个明显的双关语，一方面指明面上乔治冷落妻子不与其交流，另一方面则暗喻他拒绝拍摄有声电影的事业选择。

后来乔治寻死，以字幕插入的一声巨响既推进故事进程，又跟观众抖了个不大不小的包袱，下面的段落水到渠成。

这些与声音/声效有关的片段使声音脱离了一般电影的约定俗成，从一个理所当然的技术要素飞跃成为电影故事的重要角色之一，人围绕声音所作出的判断与电影工业所作出的选择彼此映照，最终不是声音为电影服务，倒是视效跟表演形式为声音的出现锦上添花了。

除了对声音效果的巧妙运用，《艺术家》对视觉效果的不吝开发也极为娴熟。

乔治独自看电影，投在屏幕上的影子弃他而去，这小花招虽耍得老套，但用在该情该景却正贴切。

乔治在片场遇见佩皮，第一次二人隔着布景斗舞，一里一外，一个俏皮一个大方，性格特色立现；第二次则一个下楼一个上楼，双方地位心态的变化被斜切画面的楼梯表现得清清楚楚。

正因为没有声音，视觉艺术的功用才更为重要，才必须调动一切画面要素与表演要素，充分渗透剧情，激发强烈的视觉表现力。

将电影技术元素与电影故事表现紧密结合是《艺术家》区别于《雨果》的成功之处。

无论是视觉效果、表演桥段还是声音元素，一切都融入《艺术家》的情节发展，彼此相互促进。

技术为电影故事提供亮点与依托，故事则为技术要素提供方向与目标。

在此之上，再加入一点爱情，一些怀旧的温柔，和很多自默片时代沿袭而来的幽默，一场声影传奇就此诞生，想不讨好莱坞电影工会大众的喜爱都难。

另外值得特别一提的是扮演乔治的法国演员让•杜雅尔丹（Jean Dujardin）。

我没看过杜雅尔丹的其他作品，可大屏幕上他留着两撇小胡子灿然一笑的滑稽样子真吸引人。

说实话乔治这个角色很不好演，尤其前半场他春风得意自信十足的戏，自负太过容易显得“二”，招人反感；而表现不足又不吻合他大明星的身份，会与接下来的剧情发展产生断层。

杜雅尔丹的自负有种“很傻很天真”的可爱劲在其中，十分难得。

不管是乔治与佩皮眉目传情还是穷途潦倒的悲苦自怜，他都把握得真挚诚恳，表情与肢体状态松弛自然，不做作，也不发力过猛。

除了最后一场的舞技不尽如人意之外，这一年还真难有能与他相媲美的最佳男主角了。

至于《艺术家》究竟算不算一部真正的默片，我觉得这根本算不上一个问题。

电影的发展是与电影技术的发展紧密相连的，纯粹出于致敬的目的故意历史倒退避而不用现时的摄影技术、机位安排、剪辑手段和音效，除了表达怀念之意外对作品的完整性并没多大意义。

《艺术家》所采取的默片时代流行片头、黑白色彩与无声手法，都与剧情发展相辅相成。

在这基础上运用超越默片的技术元素，反而独树一帜，别具一格。

怀旧但不守旧，这是《艺术家》的最聪明之处。

《大艺术家》观影感受：1、各种戏剧冲突元素搭配的非常和谐，明知道这是假的，但看着就是舒服，导演编剧功底扎实。

2、一个体系里最优秀的人物，往往在变革来临之时，死的最早、死的最彻底，用在工作中，也是如此。

3、当事情进入负环节时，错误不断。

4、经典台词：先生，请提防你的自尊心！

5、餐馆里新浪后浪的冲突解读：上位前的一步动作是，贬低和打压，这是一个寻找差异化并扩大竞争力的过程，鲜有不这么做的。

6、男主角当掉东西却还是给店家小费的解读：生活惯性，一旦养成固定稳定的生活习惯，打破这习惯的力量，需要从根本破坏维系生活的来源。

7、以两个角色，分别代表的时代，戏剧化的描述了在时代变迁的过程中，两个角色生活的变化。

在观影的过程中，注意力紧紧被男主角的经历所吸引，给人非常强烈的代入感。

在观影结束后，不得不对旧时代的开拓者，还有死在时代变迁过程中，那些曾经引发时代共鸣的人物，致以深切的缅怀。

看了今天自己写的影评，才知道如今这份工作，真的给我带来了许多改变……当初，有计算机专业的同学问我：阿通，你觉得你现在做的工作有意义么？

我还有点失落的回答：有没有意义，我已经不去思考了……现在回头想，只要能给我带来快乐，这工作，就是对我有意义的！

至于这个世界，就留给英雄头疼吧--以上评论转载来自新浪【通YEE】http://weibo.com/574710398

我有時都好公平，尤其是對電影，所以終於去了看一眾熱愛電影朋友批評得體無完膚的《星光夢裏人》（The Artist ）。

《星光夢裏人》算是不錯的商業電影，也有一些感人之處，而其默片形式，無疑對年輕觀眾也有吸引力。

可是，這些好也不足以支持《星光夢裏人》得奧斯卡數大獎項；可是，《星光夢裏人》的所謂「好」（其實只是大路貨色），卻也不補償不了它所引發的難受。

一齣以默片形式去說默片的電影，卻在告訴你默片是如何的不濟，只是死路一條，而有聲電影才是未來。

對愛電影的人而言，有什麼比這更難受。

坐在暗黑的影院內，看見導演如此不尊重默片，我真的很難受，很難受。

我會記著導演的名字，Michel Hazanavicius，我以後不想再給你機會了。