芝加哥

《芝加哥》欲望总是能让你不择手段的失去自我。

同为迷失在都市中的两个可怜女人，却都同样沉迷于内心那份贪婪的欲望。

城市的浮华，人性的躁动，没什么能比歌舞类型片更贴切的表现那个娱乐至死的时代。

暗色系的现实生活，用浮夸的歌舞外放人物的心理活动，用这种略有戏谑的方式将人性的表里不一刻画的淋漓尽致。

作为第75届奥斯卡最佳影片得主，电影胜在剧情与歌舞的充分融合，丰满人物的塑造，以及对特定年代社会形态的冷嘲热讽。

值得一提的是在这个几乎为全女性的故事里，爱情（甚至包括友情）不再呈现出任何美好与憧憬，而是作为一切恶行的源头出现，讽刺的是你只有彻底舍弃这份情感，才有可能获得新生，这算得上是一黑到底了吧。

8分。

Ps：相比蕾妮·齐薇那张永远浮夸委屈的脸，凯瑟琳·泽塔-琼斯的表演确实要好出太多了。

在看完《歌厅》之后会惊讶没想到歌舞片还能这样拍，同样《芝加哥》再次打翻了我对歌舞片的认知。

All That Jazz的开头就非常吸引人，之后更是通过剧情设计和快节奏的把控，让你没有停下喘息的机会，不愧是奥斯卡最佳。

看完之后心潮澎湃所以跑来写了人生第一篇影评，为了方便，我将印象深刻的内容总结成了五点。

【1】首先来谈谈歌舞部分体现出的再现魅力。

最大的特色当然是歌舞片段和现实片段的交错融合，这个在歌舞片里也不是什么新鲜事物，把灯光黑下来，男女主角开始换装，然后变成舞台戏份，开始载歌载舞。

但是决定歌舞片成功与否的往往是歌舞片段是否比说台词来得更加吻合主旨。

简而言之，歌舞不是为了“唱出台词”那么简单，而是通过浓缩的精华表达出潜文本和主题。

而无疑该片的大多数歌舞片段都完美地承担了这个功能。

并且最突出的是，该片通过歌舞片段淋漓尽致地“再现”（Represent），最明显的代表就是“木偶戏”。

当Roxie犯案后出来回应媒体，Roxie言听计从地重复律师教她背诵的“官方回答”，木偶戏完美地将人物内心和客观状况进行了刻画和模拟。

木偶戏【2】歌舞+监狱的搭配。

正如片中Roxie说的Criminal is an Act，导演大胆地把监狱背景和歌舞片组合。

形式上导演把监狱变成了舞台，把犯人变成了明星，搭配强烈的视觉冲击和危险的诱惑与威胁。

内容上，该片的故事选择了从两个因为谋杀罪入狱的女人尝试洗清罪名的角度切入，他们虚荣的舞台梦想贯穿始终，这一点也体现了歌舞和监狱的融合。

歌舞与监狱，欲望与危险【3】前面说到剧情非常具有设计感，是因为你可以看到各个人物主人公的动机和行动变化轨迹，步步地通过人物内在动机和外在动机推动剧情发展。

比如说Roxie从傻白甜到手段高超的自我包装高手，有她想成名的内在动机的步步转变，也有律师和外界给她带来的关注的推动作用。

同理可推，每个人物的转变都是有依据的。

虽然这样的手段并非高超，但是却十分精准，通过人物动机转变推动剧情转变。

同样地由于匈牙利女人的被处刑触动了Roxie请回律师这一点也非常明显地证明了这一点。

或者说，剧情充满了反转，但是反转的设计恰又是十分到位的。

除此以外，剧情的主题表达也是非常饱满的。

剧情的主题围绕着人对于浮华的渴望，以讽刺的手法多次正反说明了浮华的沉浮只是一场关注力的游戏，每个人都将只是游戏的一个过时小丑。

女主1和女主2是最正面说明这个主题的例子，而律师则是通过为己所用的方式来印证这个虚伪的系统背后的人性逻辑，连群众都是明晰这个主题的，比如卖报小男孩在最终审判前就印刷好了“有罪”和“无罪”两版报纸来满足大家变态的好奇心，不管审判过程和最终结果如何，大家只关心这个八卦。

（也侧面讽刺了当时的新闻真实性）【4】再来谈谈节奏。

节奏方面从头到尾都非常紧凑，这也是让我感觉到编剧能力和导演调度能力厉害的地方。

强势且抓人耳目的开头让观众一直到舞台开始之后（2:48）才窥见了女主2的真面目，可谓是吊足了胃口。

随后主题故事慢慢展开，高潮层层出现，在即将疲惫的时候又会抖出大包袱来惊吓观众。

而在无聊的片段，又会通过小插曲的快速切入给观众提神。

比如在最终审判的那场戏里，女主的一个撩起裙摆的设计让严肃的场景瞬间又活泼了起来，群众的注意力再次被刺激。

总结来说，全片快速的剪辑和镜头移动让人感觉一直在一场嘉年华狂欢之中，这也恰好是影片中give them some razzle dazzle所讽刺的东西，吻合了主题。

【5】最后来谈谈镜头剪辑。

镜头的剪接沿袭了《歌厅》的特色，前后歌舞和现实的拼接造成了强烈的讽刺效果。

比如最后律师在辩护的时候，口若悬河地开始表演，下一秒的反应镜头直接采用了歌舞片段的观众反应，“再现”了观众的反应效果。

但是最讽刺的还是匈牙利女人被处刑的片段，把她现实被处刑的过程和展示“大变活人”的歌舞剪切在一起，在她被悬挂而死的下一刻，采取的是“大变活人”后观众欢呼的反应。

现实中人们有没有欢呼并不重要，导演只是利用这种手段达到他戏谑的效果。

如果这还不是“蒙太奇”手法的一种高级应用的话，我想不到还有别的形容。

最后一点点杂谈，本人此前对“芝加哥”文化没有了解，或许就像是洛杉矶LaLaLand意味着异想天开做白日梦一样，“芝加哥”这个“形容词”意味着名气和虚荣的稍纵即逝，每个人都可以在这座城市“成名15分钟”。

以上所有东西纯属个人观点，没有学术依据，因为看完电影太嗨了所以跑来分析一番。

非常喜欢《芝加哥》还有《歌厅》，这两部歌舞电影用饱满的表达和设计让我对电影艺术大开眼界。

2019年2月24日 写于上海

原文：[HUNYAK (Spoken, 匈牙利语)]Mit kersek, en itt? Azt mondjok,hogy a hires lakem lefogta a ferjemet en meglecsaptam a fejet. De nem igaz, en artatlanvagyok. Nem tudom mert mondjaUncle Sam hogy en tettem. probaltama rendorsegen megmayarazni de nem ertettek meg...翻译：我来这儿做什么？

那些著名的匈牙利警察他们说我打倒我的丈夫并砍下了他的头。

但是我没有那么做，我是无辜的。

真不敢相信美国人说我做了。

他们说我那么做了，但我真的没有...注释：其实监狱Tango里面那六个人里只有这个匈牙利人是无辜的。

注意看，她亮出的手帕是白色的。

可事后她却是唯一被判死刑的。

《芝加哥》不乏浓墨重彩,歌舞升腾。

但是在一组组幽默的、搞笑的镜头后,依然发射出冷峻、犀利的锋芒。

影片中的情节设置和人物设置都赋予幽默和搞笑,以诙谐、游戏的态度反衬严肃的主题,以喜剧的形式表现悲剧的内容,让观众在轻松的剧情里思考着不轻松的主题。

首先,片中的剧情始终围绕着律师比利如何想方设法帮助罗克茜成为舞台上的明星。

舞台是一个表演的空间,不同于真实的世界。

舞台上表演的成功离不开台下的精心策划、反复演练。

这就使得剧本中包装明星的一切造假活动得以顺理成章地展开。

比利为了让罗克茜成为明星,首先是对罗克茜的身世、经历、作案动机重新编造,对她进行形象包装,然后他们不分昼夜地进行演练,直到罗克茜能把编造的台词背得滚瓜烂熟,脱口而出。

接着,比利进行了精心的策划:一是罗克茜答记者问那场戏,借助新闻效应,罗克茜一夜成名,由一个杀人凶手摇身一变,成为一个受人同情的无辜的弱者;一是法庭上比利为罗克茜辩护的那场戏,罗克茜无罪释放。

同样是借助新闻效应,罗克茜与凯莉成为舞台巨星,她们那精彩的双人舞赢得了观众雷鸣般的掌声。

但给观众印象最深的却是台下比利那灿烂的微笑``````舞台后的暗箱操作与舞台上的完美演出、罗克茜的谎话连篇与老百姓的信以为真、比利的惟利是图与法庭上的道貌岸然都构成了一组组强烈的对比,具有很强的讽刺性。

其次,影片中的人物都表现出扭曲变形。

人丧失了智性情感,不再高雅伟岸,温柔美丽,而变得猥琐渺小,滑稽可笑。

从律师到“无辜的受害者”,从新闻记者到法庭审判官,从明星到追星族都成了揶揄调笑的对象。

即使是忠厚善良的老实人汤马斯———罗克茜的丈夫也不例外。

忠实的汤马斯,为了不让妻子入狱,强忍戴绿帽的耻辱,主动承认自己是杀人犯;为了给比利付5000 元律师费,汤马斯东拼西凑,倾家荡产也在所不惜。

当听到妻子编造的怀孕日期时,老实人终于爆发出对妻子不忠的愤怒,但他并没有放弃对妻子的救赎。

法庭上,众记者烟消云散后,只有他在那儿耐心地等待着妻子的归来。

这反而让罗克茜觉得奇怪:“你要干什么?”“我想带你回家———你想要的,还有孩子。

”“这不可能!”罗克茜尖叫起来“, 天啊! 你真的相信? 我没有孩子。

”说完,罗克茜再也不关心丈夫的存在,只顾看着窗外,为自己不再受关注而百思不得其解。

“没有?”可怜的汤马斯好象掉进了一团雾水里,独自一人悻悻地转身而去。

在影片中,诚实善良反而变得可笑,痛苦和不幸成了开玩笑的对象,人类的处境变得冷酷而荒谬。

人们不再天真,不再有理想,不再有崇高感和悲剧感。

面对自身这一现实处境,人们甚至没有愤怒,只有麻木,就象汤马斯一样。

正如哈桑在《后现代转折》中所说:“后现代不再狂躁,他在冷漠的世界中,展示了后现代艺术家眼中那恐怖和卑琐的世界。

”但在这种表面平静中,却蕴藏着内里的冷嘲、戏谑与解构。

“戏笑释一切”、“一切皆戏笑”是该片的特点,也是后现代电影共同的基调。

但该片在镜头语言的使用上,有时过于强调后现代电影的拼贴意识———对故事的叙述采用无序的拼贴、画面与画面之间使用大量的跳接,这样有时会给观众带来视觉接受上的断裂,造成观众审美接受上的间断性、跳跃性。

尽管这样《, 芝加哥》依然是一部上乘之作,它的成功给我们带来很多的启示。

首先,该片包含了成功的商业片所具备的多种元素。

如该片具有很强的视觉冲击力,片中大量的歌舞表演都具有很强的时代性、观赏性。

在那充满着动感诱惑与活力四射的歌舞表演中洋溢者浓浓的异域激情和个性张力。

该片的好莱坞色彩也十分浓厚,造型、剪辑、声音的优质要求使得这部作品是一部符合好的工业标准的作品。

此外,该片情节曲折,凶手与美女、嫉妒与阴谋的情节设置使得片中剧情环环相扣、层层深入。

其次,该片还具有很强的现实批判性、艺术性。

因为一部影片仅仅具有商业性还是不够的,有艺术性的电影才会有长久的生命力。

《芝加哥》结构紧凑,人物个性鲜明,让观众在色香味俱佳的视觉拼盘中感悟那深层的社会内涵和强烈的批判意识。

马赛尔·马尔丹曾说过:电影是一种企业,也是一门艺术;是一种语言,也是一种存在。

影片的商业性和艺术性并不矛盾。

《芝加哥》就在电影的商业性与艺术性之间找到了一个很好的平衡点。

踢踏在腐败血肉之间，摇曳于森森白骨中央，于欲望的血液绽放出灼灼生辉的恶之花，极尽妖冶之能事，极尽浮华之乖张，极尽迷醉之蛊惑，极尽名利之贪婪，极尽华丽之腐败。

冷艳刚烈，娇柔妩媚的双生花，在嚣张叛逆的爵士乐中，在无数跳远旋转的亮片中，在放荡狂野的挑逗里，在《芝加哥》的舞台上演一场性感至极的罪恶大秀。

沉醉于Catherine Zeta-Jones的美艳狂放，那种骨子里的率性狂妄，泼辣果敢，已经极具力量与原始野性的舞蹈张力，一颦一笑中的风情万种，极具磁性的浑厚嗓音，一出场就抓住了全部的视线和焦点。

当警察涌入舞厅，Jones做最后的亮相时，那一挑眉的挑衅，极具侵略性的性感，极具攻击性的风骚。

让我瞬间拜倒在她的石榴裙下，以至于全片结束，都让我执拗的认为，只有Catherine Zeta-Jones才是芝加哥闪耀的瑰丽钻石。

她高傲的眼神不羁的神情已经把整个芝加哥踩在脚下，当你以为这样一个妙人，必定会在芝加哥撞个头破血流的时候，她却能跳一支《I Can’t Do It Alone》，甚至再而不衰的走向了最后的鲜花掌声。

就让人人都爱矫揉造作的Roxie，而我独爱Velma Kelly。

Renee Zellweger不亏为演技派，那种愚蠢中的天真，世故中的狠辣，清纯里的妖魅让她拿捏的入木三分，让人看的又爱又恨又怜又憎。

看第一遍的时候真没看出来她刚扮演完《单身日志》里的肥妞。

演技可见一般。

她同Richard Gere 贡献的《We Both Reached For The Gun》的木偶戏以及法庭中的一场马戏踢踏舞秀，让《芝加哥》把这个世界骂了个酣畅淋漓，晶莹剔透，剥光了华服，割裂了血肉，抽离了骨骼，露出一片腐臭肮脏的污秽来。

歌舞升平之下是永不落幕的秀场，整个社会是等待兜售艳情故事的低俗看客。

生命，自由，尊严，道德不过是碾碎脚下的渣滓，毫无咀嚼的欲望，新鲜的血液才是芝加哥的最爱。

吊带黑丝里若隐若现的白花花大腿，闪耀如金色波浪的秀发，湛蓝如荡妇一般轻佻的眼神，以及一个故事，一个浪荡的小道消息，一场矫揉造作的秀，才是芝加哥的最爱。

封神场面个人最推崇6女囚所表演的《Cell Block Tango》，随着水滴有节奏的慢入，恶女茶话会式的展现，舞蹈干净利落，独白戏谑残忍，堪称歌舞剧最高峰！！

绝对的封神！！

有罪和无罪的界限在柔美的肢体中被模糊不清，是你冲进我的刺刀，是你对毒药缺乏抵抗力，是你明知我很烦还招惹我，是你说爱我然后抛弃我，只有清白的匈牙利女人带着抽泣与虚弱。

罪恶是茁壮的，清白则虚浮无力，被吊死在脚手架上，物竞天择，这是达尔文的进化，是人类欲望的狂欢！

杀戮与性感蓬勃生长，无序与混乱激烈震荡。

滋润着有着无比膨胀胃口的罪恶之城：芝加哥，一遍一遍重复歌咏着 “I didn't do it, But if I'd done it,How could you tell me that I was wrong?”啊哈，这可真是太妙了，妙极了！！

当Roxie与Velma Kelly在一片闪光中，收获玫瑰与掌声，对这台下的看客说，谢谢，我爱你们，没有你们就没有我的时候，灼灼生辉的恶之花开的绚烂，滋养它们的人正在台下欢呼雀跃，献上灵魂。

20世纪20年代，浮华的芝加哥是爵士歌舞、狂欢纵饮和男欢女爱的天堂。

在经济虚假繁荣的时代，芝加哥也是令人寒心的灰色名利场。

歌舞电影《芝加哥》来源于莫林·沃特金斯的戏剧《勇敢的小妇人》，这部戏剧以1924年一件轰动一时的谋杀案为基础， 1927年被改编为舞台剧第一次搬上银幕。

经过多位导演的改编，在百老汇的舞台上赢得了无数掌声。

最新的银幕版本《芝加哥》，吸收了所有先行者的精华，包括沃特金斯的芝加哥寓言故事、抒情诗风格和美妙的旋律，继承了福赛设计的舞蹈动作加上电影制作的特殊技巧。

这些元素的结合，作为导演处女秀，让百老汇音乐剧演员出身的导演罗伯·马歇尔一举成名。

不仅如此，这部影片被影评家评为2002年十佳片之一,囊括2003年第75届奥斯卡13项提名和6项大奖，成为当年金像奖最大的赢家。

继2001年音乐片《红磨坊》获得轰动效应之后，《芝加哥》的出现也在世界影坛掀起狂澜,标志着一蹶不振的歌舞电影东山再起。

作为歌舞片，影片主要依靠歌舞来刻画角色和发展故事，演员的歌舞技巧为影片增色不少。

导演多次使用交叉蒙太奇的手法切换叙事，和许多充满创意的转场让故事和歌舞流转自然，打动人心。

20年代的爵士乐，歌舞升平的酒吧，昏暗氤氲的复古色调，刻意制造的老式打字机和照相机的复古音效，加上舞台擅长的各种灯光效果，影片巧妙利用声光色，呈现给我们一场视听盛宴。

一、懦弱呵，你的名字叫女人在充满欲望的瞳孔审视下，明星凯丽在幽蓝的舞台上演唱着“爵士天堂”，身怀六甲的凯瑟琳·塔泽-琼斯百媚丛生，在电影中做出了许多高难度动作，把女性的柔美曲线和魅惑撩人表现淋漓尽致。

而台下，一位金发红唇的女子洛克茜正做着明星梦。

2002年已摘过金球奖影后桂冠的蕾妮·齐薇格也是当红明星，细腻的演技将野心勃勃却心机不足的女子形象表现得丝丝入扣。

爵士的节奏热情铿锵，恰似洛克茜对偷情和梦想的一腔热血。

几分钟前，凯丽刚刚枪杀了偷情的丈夫。

犯罪和歌舞在交叉蒙太奇中完美结合，而所有犯罪的缘由，也都巧妙地借剧诗唱出“for all that jazz”,都是时代惹的祸。

浪漫的歌舞结束，凯丽当即被警察带走。

洛克茜的情人在激情过后，也百般厌烦戳破谎言。

得知被骗的洛克茜一怒之下枪杀了情人，也成为了罪犯。

当骗得丈夫替她顶罪，手电筒在她眼里成了聚光灯，灰色现实和粉色幻想对比鲜明，她神似玛丽莲·梦露，性感动人地歌颂着爱情。

得知真相的丈夫却突然加入，和洛克茜各自独白，同时在画面中怒吼、挣扎。

充满创意的对立和转场把二人之间的矛盾带回现实，而现实把洛克茜送进了监狱。

然而监狱和芝加哥的名利场并无两样，狱中的犯人也都野心勃勃。

监狱“大姐头”莫顿嬷嬷野性的独唱道出了监狱的“商道”。

导演长于发现现实中的元素和音乐的一致节奏，在洛克茜的幻想中完美将故事和歌舞结合。

监狱中的种种声音在她的脑海成为旋律，一场“女子监狱探戈”翩然而起。

六位犯人依次上场，讲述着自己的罪行。

这一段借鉴《芝加哥》之前成名的歌舞剧《黑暗中的舞者》的创意，又借助牢笼、丝绸和男伴为道具，让舞台更加丰富。

每一段独舞在暗红色的背景下都带着鬼魅般的剪影，刻画出令人战栗的骇人景象。

唯一的无辜者在白色灯光下行动如同注铅般沉重，简短的呻吟，没有辩驳，只有哀怨。

正如剧诗所唱，这是一群女人的谋杀，你却不能说是犯罪。

当爱情交织着阴谋和背叛，依附男权的女人恰是那个时代的弱者，而弱者一旦拿起武器，便名为犯罪。

群舞的舞步由导演精心设计，突出各种腿部弯曲的角度，使身体重心更接近地面，下半身具有弹性。

无论是前进、退步、踢腿还是地面动作，都强而有力，自由中不失妩媚性感，混乱中凸显仇恨和杀气。

灯光渐渐暗淡，舞蹈以女犯人们双腿横劈手部质问的姿态结束。

一曲作罢，一切都回复到舞台的最原始状态，她们依旧被关在铁窗内，她们攀爬、挣扎，强烈的顶光让她们的仇怨显得异常无力。

二、人生如戏，是谁在玩弄一群女子尽态极妍，跳着脱衣舞，呼唤着，从监狱到舞台，律师比利粉墨登场。

一段歌舞，道貌盎然地唱着爱情，却翻滚在金钱和肉欲之中。

曾主演过《美国舞男》《漂亮女人》《不忠》的理查德·基尔虽年过五旬，经过两个月的短暂训练，就能歌善舞，把这位爱钱如命、翻云覆雨的“法”场高手刻画得活灵活现。

即使如此，他却是追求名利者的福音。

凯丽花钱请他洗脱罪名，在监狱中也得到了嬷嬷的特殊照顾。

外表甜美的洛克茜是一只容易被玷污的小白兔，她很快学会了监狱的手段，利用丈夫收买了比利，和凯丽的地位也悄然互换。

在比利的巧言包装下，洛克茜变成了虔诚的修女，杀人犯变成了惹人怜的良家妇女，而司法审判则变成了一场表演。

新闻发布会沦为一场木偶戏，市侩媒体和洛克茜都被他的红线操控。

场面活像一个口技表演晚会，而洛克茜则是一个淫荡的洋娃娃。

导演在这里突出描绘了律师操纵传媒的能力，讽刺了司法和媒体的唯利是图。

这场欢乐的闹剧，让洛克茜一举成名，却也让她看透了自己的渺小。

一场独舞，洁白灯光下的洛克茜道出了作为人妻的心酸，被情夫欺骗的落寞，还有对美丽梦想的欲望，就像舞台多面的镜子一样，人性也具有多重性。

而被比利操控的演员，一旦时过境迁，只剩毫不留情的抛弃。

凯丽便是被遗弃的演员之一，于是她嫉妒，试图挑拨，也试图讨好合作。

面对洛克茜，凯丽利用椅子的一场独舞精彩绝伦，干净利落的动作，对椅子、楼梯、桌子道具的运用，恰当的切合了独白。

然而，在若隐若现的牢笼禁锢之下，她夸张的舞步和汹涌的征服欲尽显无力。

不论演员如何更替，芝加哥的好戏永远不会终止。

新的事故发生，更有噱头的女犯人吸引了比利的注意。

于是洛克茜灵机一动，用假孕来博取关注。

在影片灰色调的现实世界，新闻是犯罪的工具，真相没有出路。

凯丽东山再起，试图揭露洛克茜的谎言。

在法庭上，比利律师巧舌如簧的辩驳，舞台上，春风得意地歌唱，心花怒放地跳踢踏舞，镜头相互呼应，不难看出他对法律、媒体、民众的玩弄和欺骗是多么的得心应手。

最终，洛克茜被判无罪，律师比利完美收场，飘飞的时效性新闻中，是导演深深地讽刺。

三、迷梦和真相终将玉石俱焚唯一无罪的女犯人最终被判绞刑，灰蒙蒙的天空弥漫着死亡的气息。

舞台也极富隐喻地上演了“大变活人”。

一身洁白的天使僵硬地“蹦极”，凌空而降，正义被判了死刑，漠然的观众只有掌声，让人不寒而栗。

在压抑凝重的气氛让人不安是，比利在审判场的一段歌舞，讽刺地道出了事实：真相早已被屠杀。

这部讲述犯罪的影片唯一留下了一片纯净的心灵，是洛克茜的丈夫哈特。

哈特在宽阔舞台上的一段舞蹈宣泄着与众不同的人生观。

面对镜子，他将自己妆成小丑。

像个玻璃人，从不能得到关心，就连听众都麻木不仁。

像个小丑，心甘情愿被骗，只求得到妻子的关注。

在律师操控的法庭上，他对妻子的表演全然相信，为之动情，为之付出一切。

而女人却依旧沉浸在成为明星的美梦中，在欲望的诱惑下，洛克茜的内心悄然变化。

她的舞台从粉色变成了暗红色，服装也从白色变成了黑色。

然而现实却早已将她遗忘。

二战过后，曾经鼓吹的“美国梦”，变成了对个人成功的渴望，众多被浮名遮住双眼的人，凯丽和洛克茜只是其中之二。

影片结尾，随着女性意识的觉醒，她们也在追寻自立之路，尽管她们不得不利用、投靠男子，尽管独立之路漫长而坎坷，但付出终有回报。

片尾艳丽的舞台上，洛克茜终于和凯丽合作，一曲“爵士姐妹花”，隐隐若现的性感，小有心机的动作，她们赢得了星光和如雷掌声便是佐证。

然而导演的黑色幽默还没有结束，在这个爵士舞之后，便是美国的经济危机，芝加哥的爵士乐从此一蹶不振。

这场迷幻浮躁的明星梦，终将破碎。

近年来，玛丽苏大女主影视剧大行其道，只要是有些名气的女明星，就可以随意找个烂大街的网文IP翻拍，20 30 40 都可以顶着满脸的化学填充物随时扮成13岁14岁15岁 卖娇发嗲 真个儿做作的浑然天成。

总之无论女主的样子有多么的丑陋到用300级打光滤镜也盖不住，总会有男123456号愿意或自幼倾心或一见钟情或由怨生爱，把得到女主的爱当成人生唯一终极目的。

然后就一切都顺理成章的，无论是家国天下还是个人志愿，全都敌不过女主的一喜一忧一嗔一怒（最近刚好上了一部完全印证这些要素的大女主剧，朝堂权谋争斗20分钟的对白里出现数十次女主乳名，是天子群臣的勾心斗角不在于朝政皇位，在女主婚事罢辽）。

但是，你不能批评。

你说年龄不合适，皱纹太多眼神太锐利，不像少女...粉丝就扣帽子你歧视女性，宣扬年龄焦虑容貌焦虑；你说剧情悬浮鬼扯怎么可能人人爱女主，杠精就反唇相讥你没被爱过自然不懂，你就是个酸鸡。

而这些战斗力爆棚的小女孩们，正是这种题材剧种的核心受众和重要拥趸。

她们处在三观正在建构的重要人生阶段，每天被这种剧集充斥生活，将自己代入女主视角，就天然的以为这个世界是围着自己转的，全世界男人都会爱我。

然而，这个世界的真相是什么呢？

是《芝加哥》。

芝加哥，讲述两个，或者说，以这两个为代表的一群坏女人的故事。

她们说：我出轨、说谎、杀人，但我是好女孩。

她们无一不美丽、聪明、性感，充满欲望，她们自以为已经掌握了在这个男权社会里，通过自身原本处于劣势的“性别优势”去获得自己想要之物的途径。

某种程度上，她们都成功了，或者说，暂时获得了成功。

片尾姐妹花双人组合的公演大热，貌似是个圆满的结局，但我们都知道，BE还是HE，取决于影片的结尾停在哪里。

再往后多拍一两年，她们的境遇和结局，其实我们都能想象的到。

你会说，那当然啦！

坏女人永远都只是一时得意，怎么配得到happy ending呢。

那么，好女人又如何呢？

那自然是连一时得意的机会也不会有啦。

就像那个匈牙利女孩，她是唯一无辜的，也是唯一被早早绞死的。

因为她是好女孩，是个完美受害者。

完美受害者，自然要用来被害了，不然岂不是浪费了这个世界给予男人作为主人的性别优势和生杀大权嘛。

好女孩，是被噤声的。

她发不出声音，所以是最佳替罪羊。

坏女人会发出声音，用她们的某些“优势”，但她们发出的声音，不是真相，不是她们想说的话，她们只是提线木偶，在背诵着幕后操控者写好的剧本。

人人都说神奇女侠是女权，可是，如果我也是天神的女儿，生来就美丽、性感、长生不老、有超能力，我也可以这么的“女权”，如果我也有一颗许愿石，能让我一夜之间就变得像戴安娜一样有魅力、有能力，我也可以无所畏惧，高喊女性要独立，要自强不息，要睥睨众生。

然而我们大多数人，都只是洛克茜或是那个语言不通的匈牙利女，有自己的欲望、自己的缺点，自己的无力。

可惜的是，这么多影视作品，坏的给我们假象、给我们幻想；好的给我们思考，让我们醍醐灌顶，但却没有一个，给我们指一条明路，真的告诉我们一个生在普通家庭，没有先天容貌和智商优势的平凡女孩，要如何在没有主角光环加buff的情况下平安跨过一个个沟壑艰深的凶险陷阱，顺利走到独立自强的女权山巅。

什么时候开始我们都成了这样的物种？

我觉得戏里最像人的就是那个露丝的老公　但是他身上那种认真和一个正常人的反应在周围气氛的衬托下显得格格不入　而那个所谓上流社会的律师却没有让我感觉到一丁点高雅的气息　不过他很清晰明了地看透了这个社会　所以他生活地光鲜亮丽有声有色　他利用了一切可以利用的东西　现实的态度让我觉得高山仰止　但是　拿人钱财　替人消灾　他或许利用了大众迷茫和不健康的娱乐态度　但这样的环境并非是他所造成的　他不过是在这样的环境里成长成了一个“成功”的人　他看得清现实　所以他懂得拿捏分寸　懂得保护自己在芝加哥　没有比鲜血更能引起人们尖叫的　我们失去了思考的空间　只留下声色犬马的感官刺激来主导我们的意识和思想　我们都成为了追捧潮流的一员　我们都害怕自己被潮流所抛弃　却不曾思考过是什么样的潮流在指引我们　也不曾思考过　这是不是自己真正想要追求的潮流　活在当下是对的　但不是活在别人的当下　这里突然想到前久我朋友写关于抵制家乐福事件的一句话　他是对那些盲目抵制闹事的人说的：你们真以为你们是炮仗？

别人一点你就成炮灰了？

　于是乎　我们都这样在不知不觉中沦陷了　杀了人可以炒作上报纸头条　于是杀人成为了娱乐　没有一丝践踏人命的忏悔　也没有对自己作为的反省　我们不在乎报纸上的头条内容是不是真实可信　我们只在乎那个上头条的人生活的是不是离我们足够近　我们是不是可以像她一样地生活　或者只是成为了关于她的一则消息……　　所有在公众面前做的事情　都成为了娱乐　无法再分出是谁主导了谁　不过是互相取乐罢了像看了一场闹剧　没有个人的情感纠缠　但不禁要为这样强烈的讽刺叫一声好！

一句话评论With the right song and dance, you can get away with murder. In a city where everyone loves a legend, there's only room for one. It's Just A Noisy Hall Where There's A Nightly Brawl...and All That Jazz The one movie that has it all. It began with a hit... If You Can't Be Famous, Be Infamous.幕后制作要充分欣赏这部2002年度的第75届奥斯卡最佳影片，必须细细品味其中的嘲讽精神。

影片用貌似赞美的口吻，把上个世纪20年代以芝加哥为代表的浮躁心态彻彻底底挖苦了一番，而里面的内容对于80年后的今日中国居然不乏适用之处。

片中有一句经典歌词，叫做“杀人可以是一门艺术”，该片的妙趣可以归纳为“恬不知耻可以是一门艺术”。

马歇尔承传了鲍伯·福西的风格，并大胆将整部影片处理成罗西的幻觉。

他充分发挥出演员的歌舞潜能，泽塔-琼斯获奥斯卡最佳女配角，其他多名演员获提名；他还赋予“监狱探戈”、“操纵媒体”等片断高超的视觉创意。

花絮 ·在影片中，两位女主角为了争得名声而明争暗斗；而电影的现实中的女主角之争，也是异常激烈。

麦当娜、戈迪·霍恩、妮可·基德曼、朱丽娅·罗伯茨等著名演员都有过和“芝加哥”的“绯闻”。

·在男演员方面，曾经主演过《油脂》、《低俗小说》、《变脸》的约翰·特拉沃尔塔(John Travolta)一度收到制片方的邀请，最后他却以不愿意在20年后投拍一部类型相同的影片拒绝出任男主角。

·另外一个谣传，则来自于本片的CD大碟。

曾有传说珍妮·杰克逊曾有意献歌一曲，到最后却不了了之了。

·成为米拉麦克斯电影公司票房最高的电影，国内票房就到达了一亿七千一百万美元。

·该片音乐剧从1975年4月12日开始，在美国纽约的百老汇演出，直到1977年8月27日停止，总共演出936场(包括24场预演)。

·导演希望凯瑟林·泽塔-琼斯在影片中展现自己真实的长发，但她坚持要换成短发。

在人物杂志采访时，她的解释是不想让长发垂在她的脸上，这样就会成为大家怀疑她是否真的在里面跳舞的一个把柄。

·这是约翰·特拉沃尔塔拒绝然后理查德·基尔接下演出的第四部电影，之前还有美国舞男 American Gigolo (1980)，天堂里的日子 Days of Heaven (1978)，军官与绅士 An Officer and a Gentleman (1982)。

·理查德·基尔花了三个月的时间上踢踏舞课。

他的踢踏舞场景是在半天时间内拍摄完毕的。

·在监狱场景中，胡雅克开始说的是匈牙利语，但最后的一句话说的是俄语，她说的意思是“救命，救我，好吗？

”穿帮镜头 ·连贯性：荣斯看着弗里德的钱包，在里面的那张弗里德孩子们的照片。

·时代错误：在法庭的美国国旗上有50颗星(应该是48颗)。

·荣斯·哈特唱歌的场景中，就在她唱着“谁说凶手不是个艺术家”，荣斯走过一排镜子。

拍摄途中，就在荣斯的右边可以看到摄影组工作人员的倒影。

·连贯性：当荣斯拒绝手下维尔玛的钱时，维尔玛把钱放在她的裙子下面。

在每一个镜头中，钱的位置都在变化。

·在表演“单人房间探戈”的时候，可以在安妮的胸前黑色的装饰上面看到录音器。

·事实错误：在电影好几次提到哈里森是区律师助理Assistant District Attorney。

实际上在伊利诺斯州，并没有区律师District Attorneys，他们被称之为州律师State's Attorneys。

·连贯性：在唱“爱是我关心的全部”时，女犯人脱下她们的囚服，在一个镜头中，她们戴上头巾，在接下来的镜头中，她们再次把头巾戴上。

·连贯性：荣斯和比利在讨论她该在法庭上穿什么衣服的时候，在她的右边的头发上，有一段很长的马尾辫时有时无。

·在最后跳舞的场景中，可以看到有人在维尔玛和荣斯身后通过麦克风说话，指挥着他们。

然而，在介绍他们第二段表演时，你可以听到同样的声音，但冲着麦克风说话的这个人已经转身在看音乐师，麦克风离他的嘴巴很远。

影片向我们展示了处于上世纪大企业黄金年代的美国芝加哥，在那样一个表面经济繁荣的社会形态下，人民心态受经济影响而产生的畸变是多么的可怕与荒诞。

导演通过影像的手法淋漓尽致地把歌舞升平的芝加哥中暗涌的名利暗流以及在这种涌动中人性和社会价值观念的异化呈现在观众的面前。

《Chicago》作为一部典型的歌舞片，以一定的剧情为主线，以音乐的叙事方法，通过绚烂的歌舞形式来烘托出主题。

在歌舞片中，常常会通过配对的人物来实现“拯救”的主题，通过一系列对抗性的情节，最终实现双方的相互拯救（引自《电影阅读方法与实例》）。

女主人公Roxie在影片开始时企图通过出卖自己的肉体来得到一个成名的机会，为了一个纯真的梦想而割舍了现实自己的纯真是多么的可笑与荒谬！

人民的心态在那样一个浮华糜烂的社会风气之下变成如此颠覆传统的意识。

好在，故事的最后Roxie和女二号Velma在经过了一系列的波折之后，最终通过自身的努力和合作赢得了掌声，而并非像最初的通过利用他人、捏造事实、依仗社会舆论等来得到注意。

当然我们也不难看出，这种特属于芝加哥的娱乐方式是被社会常态化的畸形的娱乐。

人们只有通过鲜血、暴力、或是层出不穷的罪恶才能达到兴奋，才能满足对于新鲜事物的欲望。

这是一种多么荒诞又让人无法理解的人性悲剧。

就像片中那个匈牙利女囚的死亡一样是否是在告诉人们，代表高雅的芭蕾已经像她一样死亡和没落了呢？

我们究其根源，虽然社会的经济形态起着决定作用，但社会舆论也需要在其中负很大的责任。

大众爱八卦，媒体爱话题，人要出名就要靠广播报纸的大肆报道，在这种恶性循环之外更是催生了一大批像Roxie这样的普通民众以及Billy这样需要靠传媒靠话题为生的律师。

甚至到影片的最后媒体的操作已经影响到了司法公正，社会舆论的力量已经改变了人们生活的方方面面，在如此这般黑暗与丑陋的芝加哥，人们怎样维持住自身的纯真呢？

影片中充斥着大量宣扬女权主义的话语，但又很戏剧性地让Billy这样一个男性人物去拯救那些杀害男人的女人们。

即便影片最后她们两个是靠自己的努力与合作赢得满堂彩，Roxie和Velma的成功也是不可否认地建立在Billy对她们最初的拯救之上。

所以纵观整部影片，男女的地位始终处在一种相对公平的状态下，世界是男女搭配下才能平衡的。

而社会经济体制下、社会舆论的控制下人们价值观念的改变着实是非常可怕的。

除了《Chicago》的主题层面之外，作为视觉元素的摄影手法也是相当值得一提的。

影片一开场就是主人公一双眼睛的特写镜头，并紧接着推镜头通过放大使之得到强化，形成巨大的视觉冲击力，牢牢地抓住了观众的注意力。

马上镜头带领观众来到了一个人声鼎沸的酒吧中，通过快速高频率的镜头切换让观众大致地扫视了整个酒吧的环境与其中的人物。

而这种快速无序的画面剪切与拼贴在整部影片中不断使用，通过大量的跳接给观众带来视觉接受上的断裂，造成观众审美接受上的间断性和跳跃性，从而加快了影片的节奏以及紧张感。

就整部影片中摄影机的状态来说，运动摄影毫无疑问的占了主导地位，尤其是像《Chicago》这类的歌舞片，多角度多机位多功能才能将歌舞的情绪色彩以及其视觉快感表现出来。

其中女二号Velma出场时的跟镜头不仅交代了环境而且同时让观众与剧中人物产生同样的紧张感，跟随着其脚步参与到故事的发展中去。

又如，阿莫斯出场时点缀用的移镜头，从记者拍家具商的尸体开始镜头不断移动，扫描了整个房间中的状况后镜头移到了阿莫斯，模拟了警长怀疑其口供的视点。

还有在牢房探戈开始之前的一个典型俯拍镜头，画面突然只剩下Roxie以及一张圆桌和一把椅子，一种压迫感和宿命感随即产生，追光灯的使用更是加强了上帝视点的效果，预示着紧接着就将发生什么。

因而，相比较固定摄影，移动摄影更能够增加影片的节奏感，使观众的感受更贴近真实状态。

另一方面，就影片的构图来说，《Chicago》属于动态构图以及开放式的构图。

由于歌舞片的基本要求在里面，构图的封闭会使画面缺少动感而失去影片所要营造的节奏，而且画框中的世界并不是孤立存在的，它时刻要与外界发生着关系。

例如警长在审问阿莫斯以及Roxie产生心理活动的时候，画面中舞台上同时出现了他们两个人，而且明显Roxie所占屏幕的比例比阿莫斯多，这种构图加大了两人的疏离感，形象地表达出两人关系的恶化，同时将观众的注意力有效地引向了画面内容中去。

另外Roxie在监狱厕所中偷听妈妈与Velma谈话的那段，导演通过狭小的一条缝模拟了Roxie的视域，将画面两边遮挡，形成偷窥的胆怯感，让观众同样产生身临其境的感觉，增加观众对主人公的认同感。

电影的构图不同于绘画摄影等静态的视觉艺术，它不仅是动态的视觉艺术也是表现电影完整意义的重要因素。

因而研究电影的构图要从各个方面进行探索。

《Chicago》中的色彩绝对是分析影片时不能忽略的，其重要性是毋庸置疑的。

整部影片都给人以高反差的视觉效果，首先是现实世界中偏冷的效果与心理活动中暖色效果的对比，其次还有舞台表演时不同人物的冷暖色效果对比都强烈地表现出一种讽刺的意味。

在心理感受上，红色作为暖色传达出紧张感与积极感，例如Billy的出场舞蹈、牢房探戈、木偶舞等几乎所有的舞台表演都是运用的红色舞台灯光，营造出一种快节奏突出、向外扩张的态势。

而在影片前段中Roxie与阿莫斯同时出现在舞台上的那段，Roxie微微泛橙色的红和阿莫斯的冷调深蓝色形成强烈的反差，一方面表现出阿莫斯郁结孤独感，另一方面也说明他们两人关系的进一步恶化。

而整体舞台色彩比现实中的鲜艳，更是讽刺地说明芝加哥是个声色犬马的世界，营造出荒诞嬉笑的电影氛围和一种强烈的讽刺效果。

最后，影片中的用光更是值得称道。

光是电影拍摄中最为重要的因素之一，光运用的好，对于整部影片的艺术价值提升具有非常重要的作用。

《Chicago》舞台上的追光灯等直射光的运用对于表现人物的轮廓与立体感起到重要作用，也增强了影片的戏剧性。

影片中阿莫斯的歌舞和Roxie唱《funny honey》的那段，逆光的运用使人物的轮廓表现最佳，获得剪影的效果明显。

其中唯独阿莫斯的歌舞用光使用的是单纯的暖色光，不像其他主角的歌舞表演用的是红色舞台光，这也从另一方面表现出整部影片中只有阿莫斯是诚实善良的，但这种品格在那个年代简直就是他的痛苦与不幸，这又是何其的讽刺和悲哀啊。

在光线的影调层次上，舞台光都是采用的高调光，用以表现其活跃与热闹也加强了空间的虚幻感。

同样是舞台上，在Roxie最后试镜的地方就相比较更为低调，表现出一种暗淡与凝重。

而在光线的造型效果方面，本片集自然光效与戏剧光效于一身，但着重还是偏向于戏剧光效，这与影片的题材是密不可分的。

在现实的世界中，自然光效能够充分的体现其逼真性与纪实性。

而戏剧光效的大量运用更加突出了与现实之间的差异性和人为装饰性，使物质世界与精神世界形成强烈的反差，从而表达影片的主旨。

本片不仅在以上方面有着突出特点，其影片的视点也是涉及到好几种。

像刚开始时Roxie的主观视点，到后来的预告性视点等让观众在观赏影片之时带有紧张感，更容易投身于角色中去，加强了影片的可看性。

综上所述，本片是一部集所有商业片要素于一身的商业片，同时又是一部具有现实批判性和艺术性的文艺片。

影片不断利用歌舞片段来切换现实世界和人物心理活动，运用人物的重复出现和人物动作的一致性来表现剧情，突出了事件发生的重叠性和重复的主题。

在穿插着歌舞、爵士与故事情节的展现中，将芝加哥社会金钱至上的丑陋面纷呈于前。