鸟人

第26届法罗岛电影节第7个放映日为大家带来主竞赛单元的《鸟人》，下面请看场刊影评人的评价了！

果树很惊喜，不单是它用长镜头拼成的一镜到底，而且是这种形式对时空的别样展示后带来的独特气质，更是里边对这个操蛋的世界的控诉和无力。

麦麦长镜头的炫技、鼓点的节拍，一切结合的恰到好处。

而我最大的观影感受是被Michael Keaton的演技征服的2个小时，好喜欢与鸟人分身自我对话和半裸从后门出来，奔进戏院接戏那几段。

演员的梦想与挣扎，也许只有纵身跃下才是解脱。

压抑、疯狂、焦虑、讽刺、荒诞之下的底色是那么悲凉。

一桶猫伪长镜头真厉害 配合鼓点配乐 在台前幕后与超现实的幻想中游离 最喜欢那些对话、互文中的反讽 看完一阵痛快 适合反复观看 每次都能有新收获Joeyside当我们嘲讽的时候我们在嘲讽谁。

/CAUSE WE DONT BELONG IN THIS SHITHOLE 中年男性的阳痿痛史，人到中年，妻离子散，与情人有着无果的爱情，却在台上大谈偶像笔中爱情妄图以重新激发日益消弭的荷尔蒙。

诺顿在台上勃起的段落是绝佳的天才讽刺，一个人只有在众目睽睽之下才能体无完肤的承认自己的失能，面对舞台的失态以及类SM般刺激的手段也最终只能ED（自杀）。

如果说这部片能拿奥斯卡是因为给了大部分老白男评委一股子硬不起来却一直在硬鲁的劲还觉得自己无时无刻不处在贤者时刻的艺术灵感迸发一瞬的假象，那么打动我的点其实也很简单—22岁，我阳痿了。

另外上分建议naomi再演一部姬片，说不定配合着骚气十足的jazz鼔我能再一次硬起来。

Run Erika Run伪一镜到底拍摄手法带来的沉浸感、混乱焦躁的鼓点、密集的台词奠定了整部片的风格，本片在技术层面是教科书级别的典范。

迈克尔·基顿现实和角色相互呼应，“鸟人”就像一个幽灵，徘徊在角色身边，时常和自己对话，最后主角不知是变成了鸟人飞起来了还是摔在地上，真真假假令人遐想回味。

约克纳帕塔法在这时代的洪流里嘶吼着表演《麦克白》。

#FIFF26#第7日的场刊将于稍后释出，请大家拭目以待了。

整部片子弥漫着中年危机的压抑,在功利、现实、冷漠城市的每一寸肌理里。

it's about how fucked up life is. 1 你可以长得很帅女友很美事业顺利，但是你勃起困难最终女友失望透顶从对生理的无奈到心理的无助不得不离你而去，你只有搞同事的女儿 或被同事的女儿搞的时候才找回一点快乐。

你能演、你会说、你成熟、你有技巧、你懂艺术、你活好，你就是勃起困难。

也许因为你找不回年轻时的眼睛和能看到的图景。

2 你以为有可以相亲相爱的媳妇和女儿，生活就完美人生赢家，可是梦想实现后漫长的人生带给你的是空虚和必将被遗忘的宿命，于是你蛋疼，但又疼得不够壮烈，你开始无所顾忌的偷情，因为常规式的恩爱得到习惯性的回应久了让你觉得恩爱是无感的，反而折腾是有感的，虽然也爽不起来了，你以为是因为折腾的姿势不对，于是你继续折腾。

3 你最需要你爹的时候他不在，于是整个青春期你铆足了力气恨你爹，你爹突然回头了想补偿了你也蒙住了，你发现不恨他你的人生其实也没什么意思。

你最怕听人家说你很特别因为你发现你花了太多精力恨自己爹以为那可以作为人生目标，别的事你都不会了，你特迷茫坐在天台上想着我没什么特别，连以前特别恨我爹的特别都不那么特别了。

于是那个勃起困难的男人的赞美和理解让你觉得没准俩垃圾凑一起比独自的做垃圾温暖一点。

4 你以为为你离婚跟你在一起的这个男人很有才华，你以为他对你是真爱，你以为他不是没有能力爱只是过去的感情不是对的，他爱你的，你以为你能指望他跟你共担想要孩子的梦想，然后你渐渐发现他对疏远的人反而比对你更温柔，你终于再也无法忽略他骨子里的冷漠和自私，于是你发现另一个被生命不能承受之轻所折磨的女人如此性感，仿佛看到了另一个自己。

5 你漂亮你温柔你总是想做对的事，但是你男友勃起困难，你终于要实现理想了却发现自己处在最卑微和脆弱的状态。

不知道是因为自己心底认为男友勃起困难是自己的问题而开始怀疑自己不值得被爱，还是因为自己心底认为男友勃起困难是因为不爱自己，自己却还卑微的爱着他。

自尊与自卑交战的时刻总是最脆弱和摇摆不定的，几乎在呼喊着谁来夸夸我吧，像个小女孩一样需要别人的肯定来获得一丝确信，于是这种摇摆不定的时候另一个破碎女人的吻显得那么突然却渐显温情。

6 每个人都在奋力争吵、打斗、说脏话、赤裸、摔东西、酗酒、恶言相对，这些年少时候禁忌的事，代表着所谓正常生活中剧烈冲突的场景，也许能在年轻时给枯燥或压抑的人生带来一丝快慰和酣畅淋漓的发泄，却无法在心里衰老后带来一点实质上的安慰。

连翱翔城市上空这件事都透着无奈和腐朽气息，你们奋斗着庸庸碌碌的人生，我们懂艺术，我们会飞，我们会谈论，我们有哲学，然后呢，艺术、飞、精辟话语、哲学问题不足以满足空虚的时候，我们误以为关注度，在乎，be relevant是我们需要的。

于是几乎每一步都是在乞求被爱，乞求被观众爱，被异性爱，被亲人爱，虽然自己不知道怎么爱，也不知道拿爱怎么办，终于被爱的时刻也并非感到了满足，照着镜子看到的还是fucked up的自己，脑中那个空虚的不肯脱下戏服面对人生始终还号称知道真相却只能扰乱自己心房的鸟人还在身旁。

7 What makes life bearable? Love? Dream? Money? Attention? Care? or Just a purpose? or A lie that you deserve to be relevant? The unbearable lightness of being is you stop thinking you are relevant to anyone, include yourself, and then you cannot feel being. 虽然长镜头和神剪辑让电影有点噱头，但是整体内容散发的信息是，This movie is not for everyone.

因为我们相信不存在超能力，所以超级英雄电影才会显得可以接受。

《鸟人》是一部运用超现实要素的电影，正如《十二只猴子》和《纽约提喻法》里一再重申的，真实是很主观的。

马里布没有水母。

我们从Riggin的视角看到的，包括他在和Mike大打出手之前讲述的他父亲家暴的故事，他的超能力，都说明Riggin是个不可靠的叙事者。

然而对Riggin自己来说，一个穿着鸟人服饰的超人在身后跟着你，这对他来说是100%真实的。

Riggin在城市上空飞行的镜头，还有那30秒的灾难片镜头，以及只存在于Riggin脑中的超能力【Zach走进房间的那一刻，Riggin的超能力消失了，他只是在砸东西而已】。

这些时刻在我们看来只是比喻，但在Riggin看来，恰恰是这些时刻（不是脱离现实，就是理应死亡），Riggin才是自由的。

电影配乐也佐证了这一点，在天台上正要往下跳却被陌生人打断的时候，配乐也戛然而止。

其中最难回答也最超现实的一个问题是，Riggin到死了没有，死了几次？

死亡，特别是自杀，在这部电影里得到了特写。

片中有好几次Riggin似乎已经自杀了——在城市上空的飞行，舞台上朝自己开枪——但这似乎只是一次次的隐喻，代表着对现实社会的挣脱，彻底的自由。

但事实上，不管他死没死，影片结束，他才真正获得了自由。

那时候，他的前妻前来照顾他，他上了报纸头条，之前与他发生口角的评论人士对他好评不绝。

他的女儿Sam冲进来看见打开的窗户，于是探出头去，她没有往下看，而是微笑着抬起头看向空中，她因为父亲完成了她一直因为太过懦弱而完成的壮举——自杀——而真正敬仰他。

这一切太过美好简直像是梦境。

所以第二种解释是，假如Riggin真的死于首次公演的舞台上，那么这一切都是他死前的假象。

有力的证据是，我们可以看到他倒地之时，过去的回忆从他眼前闪过。

而电影的副标题The unexpected virtue of ignorance可以理解为是Riggin死的注解，因为他死了，所以他死后的真实是任由死前的他所安排想象的。

另有第三种解释，Riggin在城市上空飞行的那次就已经死了，而那个出租车司机就是灵魂的摆渡员，出租车费就象征着他的灵魂。

而后的所有剧情都是他的想象。

也就是说，事实上他的舞台剧压根没有正式公开演出，他就死了。

这也呼应了电影开头那句话，雷蒙德·卡佛坟墓上的墓志铭——你是否得到你人生所期望的？

我得到了。

你想得到什么？

称自己为挚爱，感受到我自己被世上所爱。

Riggin在妻子女儿和世人的爱中死去，或者是飞升了。

这份美好太不真实，所以我相信，第二第三种解释更加易于接受。

【还有第四种解释，请看到文末】Riggin一直想要上头条，因为正所谓一将功成万骨枯，Michael Jackson和Farrah Fawcett（她曾在名噪一时的电视版《霹雳娇娃》中出演主角）同一天死亡，然而6月26日只属于MJ，第二名永远没有人记得。

还记得那个黑人流浪汉么，他显然是个失业舞台剧演员，他背诵的是莎士比亚麦克白里的段子："She should have died hereafter;There would have been a time for such a word.To-morrow, and to-morrow, and to-morrow,Creeps in this petty pace from day to dayTo the last syllable of recorded time,And all our yesterdays have lighted foolsThe way to dusty death. Out, out, brief candle!Life's but a walking shadow, a poor playerThat struts and frets his hour upon the stageAnd then is heard no more: it is a taleTold by an idiot, full of sound and fury,Signifying nothing."--卞之琳翻译版她反正要死的，迟早总会有听到这个消息的一天。

明天，又一个明天，又一个明天，一天天偷搬着这种琐碎的脚步，直到有纪录时间的末一个音节；我们的昨天全部给傻子们照明了入土的道路。

熄了吧，熄了吧，短蜡烛！

人生只是个走影，可怜的演员在台上摇摆了，暴跳了一阵子以后就没有下落了；这是篇荒唐故事，是白痴讲的，充满了喧嚣的吵闹，没有一点儿意义。

这段基本上就是主角riggin一生总结陈词。

在后台Riggin对前妻的坦白，他说“他不应该在女儿出生的时候，只录了她们两人的像”随后他沉痛地纠正说“也不应该录我们三个人的像”【意思就是压根不需要录像去证明自己的在场】。

Riggin一直深陷于对湮灭的恐惧当中，他害怕女儿看录像的时候看不到自己，或者看到自己的录像却感受不到父亲的存在，比起前者，后者更为可怕。

三小时的影片只有六次剪辑，第一个长镜头长达45分钟，这种摄影方式——模仿了人们观看舞台剧时的体验——再一次证明了导演伊纳里图和所有其他舞台剧，和莎士比亚，和所有人文艺术，都在讨论同一个问题：生为何物。

囧司徒应该出现在影片开头大声疾呼“禅定一刻”【禅定一刻是美国脱口秀主持Jon Stewart的保留档，每日节目的最后会放一个不加仍和音轨的短篇，称为禅定一刻，自1996年《每日秀》播出以来一直保留至今】生命也许就如同这些长镜头，一帧接着一帧，直到影片结束。

而所谓的智者，就是那些能够慢下脚步闻闻花香的人。

【到这里是否感受到一丝心灵鸡汤的味道，那你就错了。

】回到影片开头，Riggin的女儿通过skype和她父亲通话，问他到底要她买哪种花。

他说：你闻一下什么味道？

她说：臭的像韩国泡菜。

影片末尾，他用裹着绷带的鼻子闻了闻女儿送来的花，但是他闻不到任何味道。

可以说，影片开头和结尾是一对书撑，夹在中间的就是riggin一辈子追求的闻不到的花香。

而她的女儿在片头就已经说出了真相：花香夹杂着呕吐物、屎尿和泡菜的臭味。

但并不是说女儿比父亲看得更透更智慧[没人能看透]，但她能听取别人的建议。

例如她在戒毒中心学到的自我纾解的方法，在卷筒纸上画横点等等。

鸟人包含很多象征镜头，看这部片子的时候很难理清哪些是象征而哪些是Riggin的真实。

Riggin在舞台上朝自己的脑袋开枪，却射掉了自己的鼻子【且不论这是不是他真实的死亡】，要知道鼻子非常形似鸟吐出的喙。

正如《搏击俱乐部》中杰克杀死泰勒一样，射掉鼻子可以说是象征了Riggin对鸟人，也就是自己过去的形象的宣战【影片最后，鸟人并没有消失，而是毫发无损地拉完屎走出厕所】。

最后鸟人这个超级英雄变成了要吃喝拉撒的人，而Riggin却跳出了窗户飞上了天，似乎是一种角色颠倒（鸟人变成了人，从而是真实的，而Riggin变成了那个想象中的会飞的那个），Riggin获得了最终的胜利。

这里就要提到第四种解释，也就是，Riggin根本没有死。

在大难不死之后，他真正发现了爱他的人，不是那个压根不在乎他被炸掉鼻子的律师，也不是为他写了几百字不温不火的报道的评论人，而是坐在医院里为他担心的前妻和女儿。

他不再受到Birdman咄咄逼人的怂恿和嘲讽，象征成功和欲望的鸟人变成了凡人【因此有它在厕所冲水的象征镜头】，Riggin却变成了超人，他感到自己已经超越一切了。

影片的副标题the unexpected virtue of ingorance，也就是评论人写的那篇头条的名字，就可以顺理成章的理解为评论人对Riggin舞台上的自杀式表演的一种折中的赞美。

退一步讲，Riggin是个无知的人，而正是这种无知成就了他的美德。

Riggin闻不到女儿送的花香，也可以理解为一种象征。

因为紫丁香象征着初恋、骄傲和纯真，也用于死亡和葬礼。

闻不到花香象征着Riggin对他的初恋，也就是声名、成功和社会认同的捐弃，这样的他已经死了。

最后Riggin跳出窗外根本就是一种象征，他可以超越一切甚至超越死亡。

另外电影直白地把批评界拿出来批判。

例如，主角的名字——RIGGIN【即rigging, rig, 意思是操纵舞弊】——就是一支射向娱乐评论圈的火箭。

不管是片中粉刺的大制作大片，还是鸟人这部电影本身，都是主观的，借鉴的，操纵舞弊的产物。

片中那句“a thing is a thing”也正是一种自我嘲讽，对娱乐和批评界的嘲讽。

鸟人这部电影层次丰富【它不只是一部单一主题的电影，然而万朝归宗】。

片头字幕里birdman的文字解体后，斜对角出现的字母是Amour【法文是‘爱’的意思，无疑是致敬迈克尔·哈内克导演的电影Amour。

Amour也正是这部片子的戏中戏——即雷蒙德·卡佛的谈爱——厨房和旅馆里的两段戏再三谈论的主题。

影片最后Sam的微笑，就是我们谈爱时所谈的东西——无以名状的东西。

如上所述，这部影片在好多层面都可以大书特书，但可以用一句话来归纳，就是“这是篇荒唐故事，是白痴讲的，充满了喧嚣的吵闹，没有一点儿意义。

”或者说，是对生存无意义的一种检视。

我相信有过艺术创作经验的人会格外对这部电影心有戚戚焉。

艺术家的生命本就与常人有别：希望生命为艺术而燃尽，希望灵感之神眷顾自己，比一般人更敏感、更自尊（片中反复提到的ego），更渴望被承认——100多分钟的影片其实也是创作者自身的“证明之旅”，我相信每一分钟都带着创作者的炙热体温。

相信这也是真正打动6000多人的奥斯卡大评委会（都是圈内人）的根本原因，而非被大家热议的长镜头、超现实主义。

即便观众不是演艺圈人，片中主角瑞根也一定在某些方面击到很多人的心灵深处。

都曾有过少年轻狂，觉得自己卓然众人，拥有些别人没有的天赋。

在心里嘲笑周围的人是多么可笑、庸俗：I’m not nobody, but SOMEbody. I’m above them all. I don’t belong here. I’ll prove it to you one day.然后生活给了你狠狠一记耳光。

生活和时间告诉你，你并不比别人优秀很多。

也许你确或取得过一些成绩，但那也不足以让你傲视群雄，不足以让你得到内心的真正满足。

年岁渐长，你发现当初许下的愿望离你越来越远，失望和焦虑，缠绕着每天疲于应付日常生活工作的你。

你嘲笑世界的荒谬，别人的可笑，新闻的浅薄和舆论的弱智（像电影里说的,people love this shit. They love blood. They love action. Not this talky, depressing, philosophical bullshit）。

你发现你可以轻易鞭辟入里各种现象的荒谬，但你也会发现，你永远是各种现象的冷眼旁观者，你永远站不到舞台的中央、聚光灯下。

你可以嘲笑郭敬明的浅薄，但年入几千万、坐拥上海豪宅的可是他，不是你。

你安慰自己平凡就是生活之道，但内心的那个声音又总在不经意间跳出来，像瑞根心里的那个鸟人对你耳语：you don’t belong in this shithole.于是你想来一次绝地大反击，孤注一掷倾尽所有来一次冒险，去追求那个危险而诱人的“梦想”，只为像周围那帮庸人证明you’re somebody!You’re NOT them!可惜生活多半会再给你个大嘴巴子，告诉你也许有点才，但你也不是Raymond Carver，可以创作出真正不朽的作品——据说多半的艺术家都是这么疯的。

于是6000多个奥斯卡评委热爱这部电影——虽然它也狠狠地嘲讽了他们一把。

你可以说这是小圈子文化的狂欢，但它里面的几句台词、几个场景真的可以让一个万里之外的观影人，一个和好莱坞和百老汇无半点瓜葛的人，在某个夜晚，昏黑逼仄的出租房里，破败的电脑屏幕前，掬一行热泪，想起那句“座中泣下谁最多，江州司马青衫湿”。

《鸟人》的script是classic级别的，在很多方面让我想起《日落大道》，同样一部关于“英雄垂暮”的电影。

你可以光捧起剧本，一句句念英文，就可以或会心一笑、或击节赞叹——试试读读那些票房大卖的大片的剧本，你就能明白脱离了那些声光电影之奇观，这些电影有多么可笑。

我个人尤其喜欢那场瑞根和影评人酒吧里的交锋。

我只能说瑞根对那个老女人的嘲讽是如此到位：只会“贴标签”，空谈“结构”、“技巧”。

弄几个自以为是的“比喻”、引经据典一下，就以为自己多睿智、多么能驾驭那些话剧（以文字为职业的人大概都懂）。

从另一方面我也特别能理解老女人对他根深蒂固的仇恨：因为瑞根代表的是那帮被宠坏的、自私的、演了个蝙蝠侠就觉得自己什么都能演的人。

另一幕是瑞根开枪自杀后，一段意识流影像的呈现，伴随着密集的鼓点，一轮白日在陨落，空中划过一道凄美的弧线，在那世界末端，世人遗弃之所，泥潭里横陈的鸟类尸体、荒凉、孤寂，像心灵里某个沉寂的角落、濒临死亡前最后的回光返照。

说不清那是什么，但好美、好苍凉！

电影里，瑞根的一记枪响成全了话剧的意外成功。

真实世界里的，你那膨胀的小小野心，渴望被世界认可的那份绝望，existential crisis, 又该搁置在何处？

文/ 五乔墨西哥裔导演亚利桑德罗·冈萨雷斯·伊纳里多的电影，看起来可真是不轻松。

从《爱情是狗娘》、《21克》、《巴别塔》直到《美错》，每一部的话题都选得异常沉重。

观看他的电影，就像读他的名字带给人的感受一样：虐心。

要是你以为这部打着喜剧旗号的新片《鸟人》能够让你轻轻松松笑一场，那就大错特错了。

“三”一定是全球通用的神秘数字，不然墨西哥裔导演伊纳里多何以深谙“三生万物”这个道理，上文提到的几部作品毫无例外都是通过三个貌似随机选取、实则相互交织的故事，立体地展现同一个主题的不同侧面，这种叙事方式也加深了他的作品在思想上的深度与广度。

所以很自然地，在《鸟人》中，我也在寻找这个宿命般的数字。

初看来，《鸟人》只有一条故事线，那就是过气明星Riggan，根据雷蒙德·卡佛的小说《当我们谈论爱情的时候我们在谈论什么》，自编自导自演的一部话剧，从排练到试映到首演的过程。

然而随着电影的深入，这个神秘的数字还是借着三位主演逐渐显露出来。

不过这次三点并没有构成一个平面，而是构成了一条关乎艺术追求以及人生价值的谱线。

在谱线的一端，是爱德华·诺顿饰演的演员Mike：才华横溢，恃才傲物，洒脱自我。

他不在意别人的看法，不照顾旁人的情绪，也不试图取悦任何人。

面对一言九鼎的《纽约时报》评论人，也是一脸爱咋咋地的轻蔑。

他真正追求的，唯有戏剧、表演、艺术而已，要是顺带着名利双收，当然也是来者不拒。

谱线的另一端，是Riggan的女儿Sam，代表着社交网络塑造出的年轻一代。

他们对实质性的内容漠不关心，感兴趣的是自拍点赞上头条。

她在卫生纸上没完没了的画着一道道线，没有任何价值。

她们的信条是名气即权力，只要能出名，管他凭借的是裸照还是江南style。

要是哗众可以取宠，似乎也并无不妥。

处于谱线中间的Riggan活得可就痛苦了。

作为饰演过超级英雄“鸟人”而曾经红透一方的明星，他无法满足于像Sam一样止于名利，又做不到像Mike那般淡薄洒脱，曾经的辉煌反倒成了他脑海中阴魂不散的声音，矫情又纠结地折磨自己，好像一个既放不下架子，又舍不掉头条的汪峰。

正如流行文化教父安迪·沃霍尔的预言那样，这是每个人都可以成名十五分钟的时代。

在这个生活在同一张网中的世界，“名气”就像绿茶婊，很多时候是想躲躲不开，想追又追不来。

长得帅的流浪汉被人拍了张照片，就一夜间成了红人；Riggan赤身裸体在时代广场上走了一圈，就一不留神成了话题人物。

“流行”除掉大众的恶趣味到底剩下多少“价值”？

流行文化究竟是文化的进步还是倒退？

艺术价值究竟应该不应该交给翻云覆雨的大众喜好去评判？

Riggan显然是鄙视大众品味的。

因为在大众眼里，他不过是个过气明星而已。

可是他自己觉得自己根本就不是凡人。

打影片一开始我们就发现他不仅可以悬空漂浮，还可以意念移物。

然而随着故事发展我们发现不大对头，怎么Riggan在天上飞大家都视而不见呢？

不是Riggan刚刚从空中飞到了剧院吗，怎么后面立刻追进去一个要账的出租司机呢？

到底是Riggan幻想了自己的特异功能，还是大众有眼不识泰山呢？

伊纳里多用这种暧昧的表述，同时质问正反双方：凡夫俗子们，真的有能力看到高人身上的绝技吗？

而像Riggan一样的艺术家们，觉得自己天赋异禀，可是这个世界知道吗？

既然不信任大众品味，Riggan只能寄希望于专业剧评人的赏识。

结果却发现，在专业人士眼中，他不过是一个被名气惯坏了的小丑而已，愚昧无知又自我陶醉。

不被凡俗理解，同时被权威拒绝理解；鄙视大众品味，反过来也被专业人士鄙视。

正是这种绝望的境地最终将Riggan击溃，他决定上演一折人生如戏，在首演的舞台上，他开枪爆了自己的脑袋。

讽刺的是，Riggan像他自己戏剧中的loser一样，连自杀都失败了。

不过还好他没死，不然他就看不到剧评人给出的“无知的意外价值”的评价了。

Riggan熬过了黎明前的黑暗，终于人气口碑双丰收了。

剧评人的意思大概是说，虽然Riggan是个无知的傻逼，不过恰是这种无知，让他给艺术创造出了一点儿新鲜的东西。

没错，艺术的产生，靠的不是系统总结或者冷静推理，总还是需要激情、感性甚至某种程度的“无知”。

也许只有像Riggan一样，经历了痛入骨髓的挣扎才得以在涅槃中创造出最好的艺术。

在这个层面来说，艺术家永远比艺术评论人高级。

剧评人说Riggan创造出了一种可以称作“超级写实主义”的戏剧，这种极度真实感来源于Riggan对剧中人深刻的同情和理解，当然还来自于（主要来自于）自己被打烂的鼻子。

伊纳里多在影片拍摄手法上，通过流动无间断的超长镜头运用，似乎也打造出似纪录片一样的写实效果。

影片选角上，选择曾经在90年代因主演“蝙蝠侠”系列而成名的迈克尔·基顿，饰演拥有相似人生经历的Riggan；选择对演技精益求精、难以相处著称的爱德华·诺顿，出演同样执迷追求艺术的Mike；选择人气爆棚的《蜘蛛侠》女朋友艾玛·斯通，出演迷失于社交时代的Sam，这样的演员设置进一步模糊了电影与真实的界限。

不管是妙手偶得，还是刻意为之，伊纳里多终究还是打造了三个故事：现实中的迈克尔·基顿，电影中的Riggan，以及Riggan戏剧中的主角，现实/电影/戏剧中的故事纵向融合在一起，这可不可以说是属于伊纳里多的超级写实主义呢？

片中那个占据了几乎全部电影时间、让人有时喘不过气、值得记入电影史册的长镜头中，伊纳里多还加入了一些空间时间上的穿梭，这也许是不得已而为之，因为你要保持镜头的连续，就不得不寻找某种突破时空限制的方式，不过这很好的和Riggan想象部分虚实莫辨的镜头结合在一起，加上那鬼魅般无处不在的打击乐，给影片蒙上了一层神秘色彩。

毫不夸张地说，伊纳里多在影片所有层面作出的大胆尝试，都令人惊艳。

不难猜测，本片将在来年奥斯卡上，成为几乎所有主要奖项的领跑者。

电影结束的地方，Sam睁着大眼睛看着天空，笑了出来，我们不知道她看到了什么，不过不难猜想，大概是她——作为Riggan以外的头一位——终于亲眼见到，自己的老爹竟然拥有飞翔的力量。

里根身上始终存在着两个鸟人第一个是人们所熟知的超能英雄，用特技和炫目的服装包装出来的电影明星轻松展示着在银幕上打败怪兽的超能力票房过亿，名满天下，粉丝爆棚简直是每一个演员梦想中的“成功”典范而他却深深知道，这个被世人热烈追捧的鸟人不过是一个浮华的外壳躲在貌似强大的黑色面具下重复着毫无灵魂的夸张表演虽然名利双收，却迷失了初心，桎梏于浮华另一个鸟人，则是在里根心中窃窃私语的幽灵始终在讽刺他，否定他，令他鄙视自己，逼迫他不断正视自己最终他推掉了第四部鸟人的演出决定自编自导卡佛的话剧”当我们谈论爱情时我们在谈论什么”“感谢你真诚的表演”他生命中最重要的一句话莫过于卡佛写给他的这句话因此他始终爱若珍宝的，贴身珍藏着的这张写在餐巾纸上的小纸条从少年到如今，这句话像烙铁一样烙在他的心里成为他的光，成为他一路在演艺圈中打拼的灯塔这才是他真正的超能力然而，在他终于接演大片，名满天下之时他却发现，他在疯狂的法则中迷失了自己，早已丢失了最初的真诚挣扎中，他毅然辞去一切只为能重新找回少年时第一次励志当演员时那喜悦而真诚的初心可是，这个追梦的过程，非但没能令他摆脱噩梦反而把他带进了无休止的另一场噩梦之中身为导演，他无法阻止各种巨大的压力排山倒海的向他袭来任性而满嘴谎言的男主角经济危机需要抵押房产情人无理取闹的假怀孕影评人没来由的恶意威胁。。。

人近老年，却不可阻挡的走着下坡路这一切，令他深深怀疑做这件事的意义所在令他怀疑放弃曾经的荣华是否是个巨大的错误这出话剧，如同一片大海他如同着魔一般的走向大海，渴望着那里的广阔，自由，清凉想要把自己埋葬在其中，再也不要醒来可是在这个过程中，无法摆脱的各种破事却像海中纷至沓来的水母将他缠绕，将他深深毒伤逼迫着他从纯净的海中逃回陆地，不得不像落水狗一般的苟延残喘，左右逢源 因为题材的相似性很多人说这部电影令他们想起霸王别姬，又或是黑天鹅可我在看的过程中，却不断的想起肖申克大量的长镜头，在后台那些弯曲而逼仄的通道中穿行，令人眩晕窄小而肮脏的休息间如同一座座牢房，人们在其中扭打，令人呼吸困难紧张的鼓点，刺激着太阳穴的跳跃，令人肾上腺素飙升这一切都让我想起安迪在肖申克的下水道里爬行混着烂泥与血水的，暗无天日的越狱十年凿一墙，只为能爬出升天只为心中那对大海的向往，对自由的执着每一个人，大概都有自己的肖申克无形的囚牢，甚至沉重过真实墙壁的囚禁区别只在于，有人在牢中甘之如饴，以为这里就是整个世界他们甚至极为羡慕”鸟人”这样成功的榜样宁愿跪着把灵魂送到魔鬼面前去交换这个世界的物质与名利当然，也就有些人，甘冒风险，放弃一切要与魔鬼争夺自己灵魂的净土押上所有，只为一个最初的梦想独自坚持着一个无人看好的计划去完成这一场前途未卜的越狱这个故事带来的氛围，当然会令人想到卡佛也会想到耶茨的《十一种孤独》还有塞林格的《九故事》但是最终，你一定会想到卡夫卡那个在清晨，把自己变成大甲虫关在屋里的男人那个骑着空煤球桶在天上飞的男人他一生做着毫无成就的保险公司职员无力挣脱生活的种种困境只有在最私密的文字的世界里他才能长出魔幻的翅膀，如鸟群一样自由的飞翔这些大师们，都最善于写小人物写他们那些蛛网般粘稠的灰色的命运人们不动声色的挣扎，妥协，被吞食了而他们的下笔却始终那样冷静而克制如旁观者一般的描画却总能令我的内心感到莫名的震动与怜悯一直觉得，这些文字里情绪是文字所独有的太多微妙的东西，难以被影像所还原鸟人却是一个不错的尝试至少它清晰的让我看到了里面的每一个人都那么似曾相识每个人都自视甚高，却又一无是处每个人都渴望证明自己的存在，却又迷茫着存在为何物每个人都践踏别人的价值观，认为自己与众不同却又因为得不到别人的认可而悲伤，而孤独每个人都在憎恨自己撕不破这粘稠的灰网却又身不由己的作茧自缚，困住自己与他人每个人，都色厉内荏用咒骂与暴力来面对世界只是为了掩盖自己内心最不想被人触碰的那个最空虚，最脆弱的自我最终，里根举起枪，把他的肖申克炸开了一个大口子当他醒来，最后一次在洗手间看到鸟人时鸟人再也没有对他喋喋不休，而是向他扬起嘴角，挤出了一个羞涩的微笑这时，他知道，他已经做到了他与自己的灵魂最终达成了和解而其他的一切也都不那么重要了于是他纵身一跃，投入如大海一般纯净的天空的怀抱。

尽管如此，你是否得到了你一生中所想要的？

——我得到了。

你想要的是什么？

——自己为爱人，且被这个星球所爱。

我滿不解，《鳥人》（Birdman）上映這麼久了，固然可供觀眾思索的東西不少，但為甚麼這麼多人都沒有認真的從超級英雄的眉目，去看待這一部談超級英雄的電影呢？

超級英雄之於漫畫文化，可以是指類型，也指典型。

在典型中，除了眾人熟知，正氣凜然正義十足的正面英雄之外，還有反英雄（Antihero）的存在。

反英雄不一定有一套符合社會規範的善惡觀念，她們有時可以殺人，可以知法犯法，可以有自己好惡的施暴，在正義的觀念下行駛爭議的作為。

在4080年代間，超人蝙蝠俠正義聯盟等等成員，都是無庸置疑的正英雄；他們在出版社的統一陣營下，打日本鬼，打韓戰，甚至跟阿里打拳，大量呼應時事，作出符合美國價值觀的行為（就像洛基）。

但，進入80年代後，這些作法就遭到挑戰，許多人想讓太神性沒人性的這些典型人物有新的風貌。

美國漫畫多人編繪的傳統，令創作者們能在官方體制下盡可能的改造人物，作出變革。

於是，法蘭克米勒（Frank Miller）出頭了。

這位多才多藝，能畫能編的藝術家，重塑了一個又一個的超級英雄典型，把他們反英雄化。

在Marvel出版社，他重塑了金鋼狼，讓這人氣不錯的二線變種人，成了反戰風潮的代言，化為不屑於變種人統一戰線的獨眼龍的領導，是美國當時厭惡越戰的傳聲筒。

更有名的，是他在DC出版社的蝙蝠俠重啟之功。

蝙蝠俠這個偵探起家的招牌英雄，在過去四十年的累積下，已經成了穿著一身科技勁裝，帶著一男一女一狗四處戲耍的藍衣戲子，典型到了死氣沉沉的地步，人氣也瀕臨節節敗退的地步。

法蘭克繪製了一個系列：《蝙蝠俠：黑騎士再現》。

此書的蝙蝠俠，堪稱前所未見，引起轟動，蝙蝠俠就此重新登上DC出版社的領軍角色，於銷量於人氣皆是。

在此書《蝙蝠俠：黑騎士再現》中，正義聯盟瓦解多年，已知天命的布魯斯偉恩不穿蝙蝠戰甲多年，成了個偏執，喃喃自語，不信任法治社會，只迷信過去光輝與判斷的惡老頭。

因緣際會下，他再度出山，面對的不再是犯罪者的攻訐，而是媒體對蒙面英雄的批判，是尼克森政府對冷戰的政治環境，也是自己體力不再思想僵化的困頓。

他不再排斥虐殺他人，更是口出惡言的糟糕長輩。

這樣的形象，一路延伸到電影圈，那便是諾蘭重啟的《蝙蝠俠》三部曲。

我不想花太多時間多談諾蘭兄弟如何移花接木了法蘭克不只一冊的漫畫原作，作為己用，我只想說，諾蘭這一支拿下世界票房冠軍，也取下至今最好商業口碑的超級英雄系列，便是反英雄的超級英雄已經逐漸能被大眾接受的象徵。

把反英雄的典型發展，回朔到到《鳥人》去對照，就會發現，這部電影不正是這個歷史發展的縮影嗎？

基高基頓這個鳥人，導演取巧得用這個選角直接取代了他該在片中解釋的角色設定，讓觀眾直接代入1989年蝙蝠俠電影的形象，不費力的完成了故事所謂的過氣演員浮沉錄。

米高基頓頻頻看到鳥人的幻覺，這鳥人要他回去演電影，重拾寶座。

他不要，然後他開槍射了自己，在舞台上自殺，所幸只斷了鼻。

《鳥人》全片最突兀的就在此處。

不覺得荒唐嗎？

仔細想想吧，為什麼米高得開槍射自己？

一個豁然想通自己想紅，但覺得可以走百老匯這條路的男人，有甚麼理由公然自殺？

全片沒有任何辦法解釋這個作為，導演在這個控制慾強烈到用長鏡頭的電影理，也在那一刻脫軌，無法圓米高的作為。

於是長鏡頭斷了，出現了全片唯一一次的跳接，換入了一齣滑稽的舞台秀：蜘蛛人與鋼鐵人一齊登台，在鼓手中穿梭作勢。

從這一幕開始，《鳥人》這個電影就沒有人性可言。

接下來上演的最後一幕，通通只是概念的演繹。

有些影評謂之夢境，有些影評稱之幻覺，有些影評呼為開放式解讀......我不在意，因他們背後是同一種東西。

這東西是甚麼？

我認為，這是反英雄的崛起。

在最後一幕中。

當米高基頓醒來，他還活著，但臉龐改變，他走進廁所，朝鏡子一照，發現新的人造鼻頭英挺，就像隻鳥。

他成了鳥人。

然後他轉過頭，曾在幻覺的鳥人坐在馬桶上，默然無語，曾一直看向自己的鷹眼，此時再無正對。

此時，在廁所理，有兩個鳥人：一個鳥人活在幻覺，活在過去，如今活在馬桶上無言以對；一個鳥人活在現實，活在當下，如今即將享受功成名就。

不是這樣嗎？

當米高基頓丟開了大家都曾想看到的神話英雄，開始做起一個失敗丈夫，失敗演員，失敗製片與失敗公民的時候，戲外的戲迷，也就是我們，卻開始愛上他的演出。

相信大家都有注意到，《鳥人》有齣戲中戲，是他們幾位演員排練的瑞蒙卡佛（Raymond Carver）的舞台劇。

在戲中戲里，每個演員都說了他們真正的心聲，那些心聲反而是鏡頭前理應窺視這些演員私密處的我們，無法看出來的東西。

我們看到的戲外，其實是另一種戲內，是導演要我們看到的另一齣戲碼，那就是失意演員的崛起的英雄故事。

前任鳥人曾經失意，結局是如此走路有風，順利得一蹋糊塗。

女兒自動投懷了，老婆自動釋懷了，觀眾自動詠懷了。

本來針鋒相對的浩克老兄，片子演到三分之一突然就消失；本來紐約時報的劇評人曾信誓旦旦要搞死他，如今也寫了稱讚他戲碼的好評……不覺得這樂觀得詭異，就像好萊屋古典電影常有的大團圓結局？

這，不就是超級英雄故事的常見收尾嗎？

為什麼導演覺得這個鳥人值得用如此的結局去擁護它？

我會說，因為導演也把這部片當成一部超級英雄電影去拍。

這位英雄的武器不是蝙蝠（鳥人）飛鏢，而是菸灰缸盒；英雄的技能不是西藏忍術，而是函授瑜珈；英雄的性格也不是四正四端，而是個人性而叛逆，只想做好自己事情卻屢屢失敗的魯蛇。

但這魯蛇贏了！

他的偏執被典範了！

還記得劇評家如何批判鳥人的嗎？

她說，鳥人代表了好萊屋的粗俗，讓她無從忍受的不精緻，所以她即使不看戲，也要搞死米高基頓。

然而，她最後盛讚有加的戲碼，是米高自殘的寫實張力。

去掉這是否符合現實，我倒覺得這正是本劇最同意看出導演戲耍觀眾的雙關。

戲評家討厭超級英雄鳥人的原因是甚麼？

是嗜血。

戲評家重新愛上舞台劇鳥人的原因是甚麼？

也是嗜血！

這正是這些年來觀眾的心理。

超級英雄拍得太多，影迷撻伐而且恥笑，這根本是商業電影的入侵，是電影文化低劣的證明。

但是，當有些導演引用了稍微不一樣的超級英雄，用了反英雄的典型，拍蝙蝠俠，拍鳥人，馬上就是叫好叫座，前者拿下2009年世界票房冠軍，後者取得奧斯卡提名的門票。

敢問，用CG後製的血取媚大眾，與用自殘噴出的血取媚深度戲迷，有甚麼差別？

沒有。

敢問，用超級英雄的正英雄取媚二十年前的觀眾，與用超級英雄的反英雄取媚現在的觀眾，有甚麼差別？

沒有。

一切，都只是媚俗與媚雅的差別罷了。

在我看來，這正是《鳥人》放置在超級英雄風潮之際，該可以有的解讀。

這部片究竟是反超級英雄，還是超級反英雄？

比起打繞在戲中戲的瑞蒙卡佛戲碼的文本不放，這個脈絡才更應該也更像是本片應該有的意義與解構吧。

還是，其實沒多少人在意，這部片一定要用超級英雄當背景的苦心？

覺得只要襯托出過氣演員的背景，用甚麼題材都無所謂？

那敢情好，下次不要找米高基頓，改找梅爾吉勃遜當主角好了。

我們可以看一齣戲，看梅爾一早從垃圾堆裡宿醉而醒，發現眼前站著一位素袍國王，哇，竟是哈姆雷特，還是梅爾在90年代詮釋的老粗版哈姆雷特！

看落魄梅爾與哈姆梅特在百老匯街頭自言自語，看上去多麼有意涵有符號性阿，我都能想見有哪位文青會把這一幕寫成莎劇在當代的墮落的意象分析文了。

說不准，這文青勉強還懂一點，會拿《雷神索爾》（Thor）舉例，說明這個超級英雄受莎劇影響的變化，只是在說明完後，補上一句：「是還可以看啦，但筆者覺得，超級英雄電影不夠嚴肅，不登大雅之堂耶」。

我呸。

原文载于今日看点 http://www.todayfocus.cn/plus/view.php?aid=1196鸟人迟暮迈克尔·基顿在电影里饰演了一个演过超级英雄的过气演员。

这和他本人的身份完全相同。

三十岁以上的人小时候看的都是蒂姆伯顿版的蝙蝠侠，那时提起蝙蝠侠就是迈克尔·基顿，至今公认的最好的猫女，仍然是那个版本的。

当然时间在飞逝，电影特效技术在发展，诺兰和贝尔，钢铁侠，复联，一大泼超级英雄汹涌而来，老蝙蝠侠已经被彻底遗忘了。

迈克尔·基顿演起这个角色一定是感同身受的。

片中很亮的吐槽钢铁侠——小罗伯特唐尼这个小丑，不及你一半的才华，但就凭着一部‘锡侠’（Tin Man）东山再起并赚个钵满盆溢。

这句话中的小丑是双关语，因为1992年，基顿成为蝙蝠侠时唐尼出演的是卓别林。

有趣的是，当年基顿版的蝙蝠侠票房大卖，唐尼的卓别林提名奥斯卡最佳男主角。

二十多年过去了，好似情况反过来了。

这二十多年世界变化太大了，迟暮的鸟人完全不能适应。

他不会用网络，不知道非死不可。

但他需要存在感，他要抢头条。

他倾尽家产在百老汇拍了一部戏。

但这很明显是个错误的决定。

就像他女儿吐槽他的那样——人们忘记那个飞鸟侠服装下的人是谁，你在拍一部60前年写成的戏，给一千个担心看完没处吃点心喝咖啡的有钱人看。

除了你谁在乎！

现实一点，爸爸，你不是做艺术，你就是想刷在感。

你猜怎么着爸？

这个世界的人都在外面争着刷存在，在你视而不见的地方一直有新东西诞生，你早被忘记了！

你说说你是谁啊！

你恨博客，取笑推特，连个脸书主页都没有。

你才是那个不存在的人！

鸟人与卡佛“我不存在”，是鸟人排演的那部话剧中，他的角色的话。

话剧改编自雷蒙德卡佛的短篇小说《当我们谈论爱情时我们在谈论什么》，这句话的句式近些年被大家套用了无数次，但小说估计很多人都没看过，因为卡佛的多篇小说那简直是掐头去尾不要当间儿，留白太多。

为什么鸟人会选择卡佛的小说来改编，电影中说是因为他刚上台表演时，卡佛拿餐巾纸给他写了个纸条，夸他是个好演员。

我觉得也许是因为卡佛这个老卢瑟说过：我们被生活罚出了场，正在为从头再来做准备。

事情在变，他说。

我不知道它们是怎么变的。

但总是在不知不觉中，也不按照你的愿望来变。

因为从前很喜欢卡佛，我专门又去看了《当我们谈论爱情时我们在谈论什么》，并对比《鸟人》中的话剧，去对比他们谁演谁，怎么改编的。

四人围坐餐桌那场戏娜奥米沃茨扮演小说中的特芮，基顿扮演小说中的梅尔，诺顿扮演小说中的尼克。

艾米莱安演小说中的劳拉。

原本的小说中只是两对夫妻餐桌上的对话，特纳说起他的前男友艾德，艾德爱他，但会打她，差点杀了她，并跟踪梅尔。

话剧将对话都演了出来，还增加了劳拉独白说隐瞒怀孕，这点又和影片现实中重合，增加最后一场捉奸的戏，但在这场戏中诺顿和特芮躺在床上，基顿成了疯狂的艾德。

小说中说艾德艾德是独自自杀的，他朝自己嘴里开了一枪，邻居听到枪声报的警。

话剧中他将特芮与诺顿捉奸在床，确定了特芮不爱他了以后，说了鸟人和基顿也会说的话——一切都不重要，我甚至都不存在。

鸟人抢头条鸟人想靠卡佛的戏强头条明显是个错误，从试演头条就被相对鲜肉的诺顿抢去了。

鸟人的两次头条都很悲催，一次是演出时到后门抽烟，被关在门外，睡衣还夹住，为了赶场在百老汇闹市区裸奔。

一回是自杀时开枪达到了自己的鼻子。

这个被网络和信息攻陷的碎片化的社会，不关心他的艺术，一个昔日超级英雄的尴尬与窘迫还更吸引眼球些。

总之鸟人上映后，基顿也抢回了头条，老蝙蝠侠获得了最佳男主角提名，并且因此重回好莱坞一线，据说已经片约不断。

但愿他能像电影中自己想象的那样从新飞起。

本片有对现代演艺圈(showbiz)的各种讽刺。

近些年这侠那侠的，一点创意都没有，但是好莱坞就是这样一个地方，啥题材赚钱就拍啥，直到大家都烦的不行了或者几个大厂赔死才会长记性。

国内又未尝不是，《潜伏》一火，基本上谍战剧就拍了好几年......《鸟侠》此等蛋疼的名字都能赚钱，很明显观众已经丧心病狂，但终究是三十年河东，三十年河西，没有什么是永远的，见风使舵的好莱坞甚是如此。

扮演男主Michael Keaton曾经演过九十年代的《蝙蝠侠》，由他来演这个戏中过气的演员真的是再合适不过了。

戏剧圈穷向来不是什么秘密，电影界相比则往往赚要多不少，因为发行渠道更多。

除非你能混到百老汇那个级别的，不然资金上会有很多困难。

这也是为什么片中Naomi Watts的角色为自己能上broadway而激动不已，因为这对一个混戏剧圈的人来说甚是不易。

也正是因为舞台剧少了很多铜臭味(《歌剧魅影》这种老牌子除外，换个cast继续圈钱)，所以用来和大手笔的电影明星来做对比很合适，也是为什么诸多电影明星在有名气后都愿意去百老汇舞台上露个脸，提升逼格。

“艺术”是个宽泛的词，在本片中可以把它简化成“表演”。

舞台剧里往往有着最出色的表演，因为你没有掩饰的机会。

电影里的表演你有很多调整的空间，剪辑，化妆，灯光都可以帮助你。

爱德华诺顿的角色貌似就是为这个追求而存在的，他就像一个夸张版的“方法派”，认为就算是表演也要真实，这也是为什么他为了把酒换成水这样一个小细节而大发脾气。

例如最近的《黄金时代》，导演认为寒冷和饥饿是演不了的，因此就真的把剧组放在冰冻的地区拍摄。

诺顿的这种夸张的对真实的渴求到底在表明些什么？

是否在讽刺很多演员只是为了表演以外的东西而表演？

表演的本质是什么？

演员的职责是什么？

男主愤世嫉俗的女儿(石头姐)也在对他说，“You aren’t doing this for the sake of art”(你做这些并不是为了艺术），这也未尝不是正确的。

男主既是导演，又是演员，想控制一切，拼命努力的讨好critics，肯定是想证明自己的能力，但是我们不知道他的动机，到底是为了证明自己是个没过气的演员，还是真的为了对戏剧的热爱？

那个评论家也说他是只是个celebrity, not an actor，可见名气并不等同于真才实学。

不管他真实动机如何，一切都被演艺圈的复杂而深深淹没了。

牵扯的方面太多，人也终究不能纯粹。

在这种情景下想要获得自我认同，甚是不易。

本片里各种对现在演艺圈的讽刺可以说是不能再明显了。

片名《鸟侠》，台词里提到的Michael Fassbender, Woody Harrelson, Jeremy Renner都是在说最近这股超级英雄浪潮；女儿和他吵架的时候说，”你连facebook都没有，好像你根本不存在一样”，然后在临近结尾处又是在网络的帮助下，利用那段裸身跑时代广场的视频，他名声大噪，可见“名气”这个东西是多么虚渺和好笑。

曾今扮演过超级英雄的他更能感同身受，名声稍纵即逝，没有什么是永远的，那又该抓住些什么呢？

自己的价值在哪里？

或许万事都是繁梦一场，终须灭。

技术层面本片也是耀眼的不能忽视。

丧！

心！

病！

狂！

的！

长！

镜！

头！

我们流畅的从更衣间飘到前台，飘回后台，再飘到大街上，再飘回来，真的是如丝般顺滑，像一位灵活的芭蕾舞者。

惊喜的是依然有特写。

我们不能像平常剪辑那样全景中景特写的来回切换来体会人物关系和内心经历，但是导演没有忽视特写的力量，让我很是感动。

另外这种丧心病狂的长镜头实在是非常挑战演员，前期一定会做很多的排练，因为如果有一个人的台词说错，大家都要从头开始，所以每个演员一定压力山大，我不能说错啊不然所有人都会恨我的之类的纠结。

很多过渡镜头肯定也花了不少心思。

我确实被这种惊人的尝试震撼，但是中间的时候我感觉到形式开始大于内容，可以明显察觉到剧本的写作是为了这种一镜到底的模式而创作的，很多“小聪明”都有点过于明显。

例如本片副标题The Unexpected Virtue Of Ignorance, 我觉得就有点过，简直就是赤裸裸的在你耳边说“瞧我们这片子多聪明啊哇哈哈”的节奏，个别台词也给我这种印象，一种“我们就是在讽刺演艺圈的瞧多幽默啊哇哈哈”的感觉。

就是因为一切都是非常仔细并且不留余地的演练好的，我们反而没有了副标题里的那个“unexpected”，减少了观众参与的空间。

我个人认为在形式上，戏剧会增加其与观众的距离(更抽象化)，而电影是减少距离(更能身临其境)。

然而本片处于两者间的尴尬地位。

一直在运动的镜头让我觉得很不安分，纵使我和人物离得很近，我没有停下思考的空间，反而让他们显得遥远了，就好像我坐在一个窥探他们的过山车上，轨迹统统是给你设计好的，一点偏离都不允许。

这固然是刺激，只是难免单调，因为轨道是固定的，重复后的结果是一样的。

或许这就是聪明反被聪明误吧，人也不可能什么都得到。

这是一部有野心，有技术，有思想，有表演的难得好片。

只是想要成为佳作，貌似还差一点。

看各位的个人爱好了。

选取豆友Peter Cat的点评：伊纳里多所有电影问题都是一样的，就是故弄玄虚，换言之他野心和品味都很好，但是相比于他要操作众多主题他的思考特别廉价。

但他特别厉害一点是会用出色视听和话题在数量优势来掩盖深度上缺失。

可以回想一下这个电影，处理了多少话题，可每一个都抛了点鸡汤而已。

当然，视听出众确实有目共睹

当年的“蝙蝠侠”带着一众“绿巨人”“蜘蛛侠”“金刚”的卡司参演一部叫《飞鸟侠》的电影时，编剧和导演本意就表露无遗，片中里根从好莱坞辗转到纽约百老汇拉来一帮演职人员自编自导自演戏剧，对应于冈萨雷斯召集迈克尔•基顿、爱德华•诺顿、娜奥米•沃茨、艾玛•斯通等进入《飞鸟侠》。

就是要模糊现实与戏剧的界限，达到一种电影即现实镜像的效果，讽刺味儿不捅就破。

电影中里根的角色仿佛为基顿量身定制，“飞鸟侠”就是基顿早年拍摄《蝙蝠侠》的映射（现在明白了港译片名的妙处了吧），基顿这些年来在电影圈或者说在好莱坞的沉寂也对应于片中里根的状态。

关于人戏不分的电影，经典不少，大家比较熟悉的有陈凯歌的《霸王别姬》，今敏的《千年女优》，波兰斯基的《穿裘皮的维纳斯》，或者阿萨亚斯的新作《锡尔斯玛利亚》，都是这种类型的杰出代表。

其实，早在84年伯格曼拍的《排演之后》也是现实与戏剧不分的杰作，不过没多少人看过。

《排演之后》这电影竟可以分两种方式看或者说观众会产生两种观感，一是电影里的人在讨论舞台剧，二是电影里的舞台剧里的人在讨论舞台剧，出现二的效果的原因是图林出现后奥琳的静止处理方式。

此种电影的表现方式是，在现实的部分观众也可能觉得他们在演戏，在演戏的部分观众又会感觉他们夹杂了由现实部分带来的情绪。

比如《锡尔斯玛利亚》中女演员与助理为电影对台词的时候往往就是台词与真实对话切换，到最后难以分清哪里是现实哪里是戏剧。

当然这也是电影的精妙之处，而且往往有深不可测的讽刺效果。

《飞鸟侠》中在里根耳边嗡嗡作响的鸟人其实是编导塑造的里根人格分裂角色设定，这一做法精妙，不费吹灰之力就将好莱坞超级大片对演员的影响刻画得入木三分。

一部超级大片能将一个默默无闻的演员瞬间全世界家喻户晓，跟随来的名望钱财粉丝滚滚而来，然而一旦系列电影终结，或者演员退出，整个世界变得异乎寻常的安静，演员的情绪落差导致严重后果，电影里的里根直接就精神分裂了，出现幻听幻象。

不只这样，冈萨雷斯在电影结尾时候再做了一次升华。

之前里根的幻境一直只出现在他独处的时刻，最后一幕，里根女儿也见到了此种幻象从而露出微笑，电影一下子笼罩一股魔幻风格。

另一个引起我注意的地方是，电影中里根在戏剧里爆头自杀了三次，每一次都是层层递进的关系，编剧不紧不慢将剧情推进，又兼具有节奏感。

第一次，剧团的男演员受伤，（电影里黑了一圈众好莱坞A级大咖之后）里根只得找来麦克救场，然而这却是个难搞的百老汇演员，在舞台里肆意而为，里根被气得晕头转向，看着舞台上麦克的勃起，里根无所适从，镇定下来后将自己终结；第二次，与女儿的那番讲话刺痛了里根，虽然尖酸刻薄，却道尽一切真理，也是父女俩难得的一次交心，里根本来心力交瘁，瞥见麦克与女儿搞在了一起，心烦意乱，出去抽烟，没成想衣服被卡主，只能绕过广场从前门进入戏院，引发围睹，里根急中生智，在台下表演，排演顺利结束。

第三次，正式首演前，里根通过与戏剧评论家迪金森女士的争锋相对交谈，宿醉一宿，在白天一度沉浸在幻想之中，在纽约天空翱翔，释放了自己，登台时达到忘我境界，道具枪也换了真枪实弹，爆头一击，反响空前。

一镜到底的伪长镜表现方式，以及高度的与表演契合的摄影，都需要强大的剧本保障，这也是我今年特别推崇《飞鸟侠》的剧本的原因，推荐大家去读。

之前提到过《飞鸟侠》具有魔幻风格，虚实结合的镜头语言在真人电影里实属罕见，尤其是电影后半段，里根宿醉一夜后，出现的鸟人大战怪兽场景，以及里根翱翔在百老汇街道上空的场景，我竟然想起了高畑勋的《辉夜姬物语》，同样是主角的幻象，同样是主角释放一切勇敢做自我的表达，此种场景每次看都惹我飙泪，肆意一回的人生是他们的，也会觉得好励志。

这种虚实结合的场景往往出现在天马行空的动画电影里，今年的另外两部动画《男孩与世界》《寻找隐世快乐》也是很有想象力的作品，推荐大家去看。

特别提醒大家关注电影中女儿对里根，里根与戏剧家迪金森女士，以及宿醉后鸟人与里根的三组对话，电影的思想就埋藏在这三段对话中，值得细细品读，我要再次对编导竖大拇指。

电影里，里根的戏剧在评论界获得良好口碑，咸鱼翻身，一向对好莱坞嗤之以鼻的《时代杂志》戏剧评论员迪金森女士也不得不用婉转的语句盛赞。

电影外，迈克尔•基顿最近接触各种新片的动向的新闻纷纷传出，演艺事业起死回生。

电影延展到现实中了，《飞鸟侠》又成为了预言，像逃不出的命运，也像拼命钻进去的陷阱，好讽刺。